Hindistan asıllı Kanadalı Rupi Kaur'un Instagram'da 4,3 milyon takipçisi var. Takip ettiği kişi sayısı sıfır. Neredeyse her gün bir paylaşım yapıyor ve paylaşımları dakikalar içinde binlerce beğeni alıyor. Kaur kendini şair, sanatçı ve performans sanatçısı olarak tanımlıyor. İnternet sitesinde evinizin rahatlığında yapabileceğiniz geçici dövme, tişört ve pirinç tükenmez kalem satılıyor. Sanal dükkanın Sanat sekmesi altında ise kendi şiirlerinin basılı olduğu kanvaslar satışta. Çoğu tükenmiş. Üreticisi de tüketicisi de ağırlıkla genç olan Instapoetry, Instagram başta olmak üzere Tumblr, Twitter ve TikTok'ta paylaşılan şiir türüne verilen isim. Günlük dilde yazılan bu kısa şiirler güzel bir font ve kimi zaman sade bir illüstrasyonla paylaşılıyor. Rupi Kaur, Atticus, Nikita Gill, Nayyirah Waheed, Lang Leav ve Yrsa Daley-Ward bu dijital camianın en bilinen isimlerinden. Bilinirlik kıstasıysa elbette takipçi sayıları. Bazı Instapoet'ler şiir paylaşımlarının arasına kendi filtreli fotoğraflarını serpiştirirken, anonim kalmayı tercih edenler de var. Her birinin sosyal medyada varoluş amacı farklı. Kimi sosyal medyayı geleneksel formlarda okuyucularıyla buluşmadan önceki durak olarak benimsemişken, kiminin sosyal medyadan başka bir yerde olma planı yok. Okuyucu ve takipçi kategorilerinin iç içe geçtiği bu dünyada Instapoet'ler popülerliklerini kullandıkları dilin erişilebilirliği ve paylaştıkları deneyimlerin evrenselliğine borçlular. Kadına şiddetten göçmenliğe; pandemiden ırkçılığa, gündemdeki konuları ele aldıkları şiirler yayına hazırlık süreçlerinden muaf oldukları için hızla, çok pişmeden takipçilere sunuluyor. Çoğunluğu genç kadınlardan oluşan Instapoetry'nin erkek egemen geleneksel şiir camiasına alternatif olarak farklı seslerin ve deneyimlerin yer bulabildiği bir alan sağlaması en önemli artısı olarak görülüyor. Görselin hakimiyetindeki Instagram'a şiirin sızışı herkes için kabul edilebilir değil. Bu akımın şiire yeniden hayat verdiğini düşünenlerin aksine, bu yeni türün şiiri ucuzlaştırdığını, sosyal medyanın sunduğu bir tüketim malzemesine dönüştüğünü düşünenler de var. Instapoetry'nin sanatsal olarak hiçbir değeri olmadığına inanan şairler, bu görüşlerini şiir dergilerinde yazılarıyla beyan ediyorlar ve Instapoet'leri aralarına almak istemiyorlar. Instapoet'lerin geleneksele dahil olmak isteyip istemedikleri ise meçhul. Öte yandan Instapoetry'nin zaman zaman Instapoet'ler arasındaki sıkı rekabetle, intihal suçlamalarıyla geleneksel şiir camiasını andırması son derece ilginç. Son yıllarda Kuzey Amerika ve Avrupa'da artan şiir kitabı satışlarının da bir yansıması olarak, COVID-19 ile birlikte sosyal medyada şiir paylaşımı arttı ve farklı anlamlar kazandı. Pandeminin beraberinde getirdiği endişe, izolasyon ve kayıplar, şiiri hem geleneksel formunda hem de dijital mecralarda sığınılacak bir kovuğa, çaresizliğe karşı duyulan öfkenin dile getirildiği bir sahneye dönüştürüyor. Sonu gelmeyen bu zor ve belirsiz zamanlarda, geleneksel ve dijital şiirin baştan ayrılmış yolları, şiirin iyileştirici gücünde kesişiyor. Ünlü Instapoet Kaur'un Rupi Kaur Live isimli gösteri kaydı Nisan ayında izleyiciyle buluştu. Kaur'un kendi şiirlerini okuduğu şovun biletleri, yine kendi internet sitesinde satışa sunuldu. İsteyenler 15 dolarlık biletlerine gösteri için özel hazırlanmış, hardal ve lacivert renk seçeneği bulunan 85 dolarlık bir sweatshirt ekleyebildiler.


Hollandalı tasarımcı Iris van Herpen çağdaş sanat, teknoloji ve geleneksel haute couture işçiliğini bir araya getirmesiyle yarattığı 3D baskılı çalışmalarıyla tanınıyor. 29 Kasım'da Paris'teki Musee des Arts Decoratifs'te kapılarını açacak Sculpting the Senses sergisi, tasarımcının avangart ve dünya dışı izler taşıyan sanat eserlerine odaklanarak onu kutlayacak. Sıklıkla heykeltıraşlar ve mimarlarla işbirliği yapan tasarımcının evrenine yoğun ve duyusal bir yolculuk sunan bu retrospektif, feminenlik için yeni formlar arayan yaklaşık 100 dinamik eseri içeriyor ve haute couture kavramlarımızı sorguluyor. Öte yandan sergide, Rogan Brownart, Wim Delvoye, Tim Walker gibi diğer sanatçıların eserleri de yer alacak. İskeletler, doğa, beden, moda fosilleri ve mitoloji gibi dokuz tema etrafında gelişen sergi, tüm duyuları harekete geçiren bir yolculuk olarak tanımlanıyor. Sanatçı Salvador Breed'in özgün besteleri sergiye eşlik ederken defile vidoları, atölyesi ve gökyüzünde dans eden elbiselerin projeksiyonla oynatılan bir şovu gibi entalasyonlar yer alıyor.


Seramik sanatçısı Mara Gülerşen'in aşkla yoğurup hayat verdiği koleksiyonu Haz, Galata'daki Galeri Bu'da gerçekleşecek sergide izleyiciyle buluşacak. Sanatçının Naked Raku, Raku ve Sagar tekniği ile ürettiği bu özel koleksiyonda, lambader, abajur ve sehpa gibi birbirini tamamlayan parçalar yer alıyor. "Koleksiyona bir isim ararken, her gün peşinden heyecanla kovaladığım mucizeler, ışık huzmeleri çıktı karşıma. Gerek bulutların arasından süzülenler gerek evimi her gün ziyaret eden renkli halleri. Sanki evrenin göz kırpışlarıydı bu güzellikler. Hiç beklentisiz, öncesinde düşünülmeden, nereye gittiğini hiç bilmeden ancak hissedilerek, minik minik şekillenen, doğan, doğdukça ışık veren evreler... Gireceği her eve ışık getireceği inancıyla gelen bir paylaşma dürtüsü. Işık ve huzmenin çeşitli dillerdeki karşılığını araştırmaya başladık. Hem Türkçe hem İspanyolca'da tam karşılığını bulduk: HAZ. Ne güzel bir kelimeydi... Mara ile de tamamlanınca beni ve bu koleksiyonun sürecini anlatıyordu. Ma Güneş Tanrıçası. Ra Ay Tanrıçası. Onlar hamdılar, piştiler, yandılar... Işıkla buluştular.


Dünyadaki diğer örnekleri gibi iki senede bir gerçekleşen İstanbul Bienali, pandemi sebebiyle ertelenmek zorunda kaldığından, üç senelik bir aradan sonra bu sene tekrar global sanat rotasındaki yerini alıyor. İstanbul Kültür Sanat Vakfı tarafından organize edilen İstanbul Bienali'nin 17. edisyonu, 13 Eylül'den itibaren başlayacak ön gösterimlerin ardından 17 Eylül'de halka açılacak. İstanbul Bienali süresince 500'ün üzerinde katılımcının projeleri şehirde 50'nin üzerinde mekana yayılırken, sergilenecek işler kadar bu işlerin sergileneceği mekanlar da ilgi çekecek. İstanbul Bienali'nin bu seneki küratörleri Ute Meta Bauer, Amar Kanwar ve David Teh, sanatçıların eserlerini sergilemek kadar, onların üretim süreçlerini görünür hale getirmeyi önemsiyorlar. Fikirlerin ilk oluşumlarından, etkileşimle ve zamanla nasıl evrildiklerine kadar, izleyiciyi sanatçıların üretim yolculuklarının farklı aşamalarını gözlemlemeye davet ediyorlar. Pandemi döneminde yaşanan kapanma sürecinin ardından, bu projelerin yeniden bir buluşma, diyalog, keşif ve tartışma için fırsat niteliğinde olacağını vurguluyorlar. 17. İstanbul Bienali, sanat anlayışının çerçevesini geniş çizmek, diğer bilim dallarıyla diyaloğu sıkı tutmak açısından oldukça iddialı. Bu bienalde sanatçıların yanı sıra düşünür, yazar, şair, araştırmacı, mimar, radyo programcısı, balıkçı, aktivist, stand-up komedyeni, şef, etnomüzikolog, ornitolog, deniz bilimci, kukla ustası, müzisyen ve daha pek çok başka alandan uzman isimlerin katılımıyla yürütülen projeler yer alıyor. Bienal izleyicileri, şiir okumalarından dergi tanıtımlarına, festivallerden film gösterimleri ve podcast kayıtlarına, spekülatif yayınların özel sayılarından bahçe gezintilerine, hikaye anlatımlarından toplumsal araştırmalara, protesto gösterilerinden kukla gösterilerine pek çok farklı projeyle karşılaşacak. Başka bir deyişle, 17. İstanbul Bienali bir sergiden daha çok büyük çapta bir kamusal program olarak tecrübe edilebilecek. Etkileşim ve üretim süreci odaklı bir bienal tasarlayan küratöryel ekip, bienal izleyicisini İstanbul'un farklı köşelerinden alışılagelmişin dışındaki mekanlara da taşıyacak. Bienal'in bu seneki mekanlarının arasında en heyecanla bekleneni şüphesiz on yıldan fazla süredir restorasyonda olan Mimar Sinan'ın Çinili Hamam'ı. 2023'te halka açılması planlanan müze-hamam, 17. İstanbul Bienali sırasında geçici bir süreliğine ziyaret edilebilecek. Duvarlarındaki tarihi İznik çinilerin bir bölümü 18. yüzyılda bölgede yaşanan depremler ve yangınlar sonrasında tahrip olmuş ve kısmen yurtdışına kaçırılmış olsa da, geriye kalan çiniler hamamı süslemeye devam ediyor. Bienal vesilesiyle ziyaret edebileceğimiz bir başka tarihi yapı da Hasanpaşa Gazhanesi. 19. yüzyılın sonunda şehrin sokaklarının aydınlatılması için açılan birçok gazhaneden biri olan Hasanpaşa Gazhanesi, havagazına talebin bitmesiyle 1993'te kapandı. Mahallelilerin yoğun taleplerinin sonucunda ise yirmi dört saat açık bir çalışma ve etkinlik alanı olarak geçen sene Müze Gazhane adıyla tekrar halka kazandırıldı. Peki, İstanbul'da bir tıbbi bitkiler bahçesi olduğunu biliyor muydunuz? Modern tıp ile çeşitli şifa geleneklerinin kesişiminde yer alan Zeytinburnu Tıbbi Bitkiler Bahçesi, biri müzikal olmak üzere iki sanat işine ev sahipliği yapacak. Süreç odaklı bu bienalde performans sanatı da tabii ki odak noktası. Bu alanda Türkiye'de öncü olan Performistanbul'un Galata'daki tarihi binası da bu senenin bienal mekanları arasında yer alıyor. Ayrıca, bir hat ve cilt atölyesi, yirmi yılı aşkın süredir kullanılmayan bir Rum okulu ve Taksim Meydanı'nın altındaki metro tüneli de ilk kez bienal kapsamında sergi mekanı olarak kullanılacak. Bunlara ek olarak şehrin dört bir yanında sayıları 50'yi aşan kitapçı, sahaf, hastane, huzurevi, kafe ve metro durakları da bienal vesilesiyle sanatseverlerin rotasına dahil olacak. Bienal'in sergi ve proje mekanları, Koç Holding'in desteğiyle, 20 Kasım'a kadar ücretsiz olarak ziyaret edilebilecek. 17. İstanbul Bienali'ne duvarlara asılı resimler görmek beklentisiyle değil de katılımcılarla diyaloğa hazır, yeniliğe açık bir tutumla gitmekte yarar var.


Farklı kültürlerin izleri ile bugünkü halini alan İstanbul, kültür ve sanatın odak noktalarından biri olarak anılırken Beyoğlu'nda başlayan Beyoğlu Kültür Yolu Festivali, özlenen sanat dolu ortama yeniden kavuşulması için sanatseverlerle buluşuyor. Kültür ve Turizm Bakanlığınca tarihi, kültürel, mimari, ekonomik ve turistik varlıklarıyla İstanbul'un uluslararası marka değerine katkıda bulunmak amacıyla geliştirilen Beyoğlu Kültür Yolu Projesi, 1000'den fazla sanatçının katılımıyla 30 Ekim-14 Kasım 2021 tarihlerinde gerçekleştirilecek festivalle Türkiye ve dünya sahnesine çıkıyor. 65 noktada farklı disiplinlerden sanatçıların bir araya geldiği Kültür Yolu, Klasik sanattan güncel sanata, dijital sanattan sinemaya, çağdaş sanatçıların çalışmalarından üniversiteli öğrencilerin çalışmalarına, özel koleksiyon eserlerinden festival için üretilmiş eserlere, edebiyattan dansa ve müziğeuzanan geniş bir seçki sunuyor. Aralarında yeni yüzüyle aramıza dönen Atatürk Kültür Merkezi, Emek Sahnesi, Atlas Sineması gibi köklü mekanlarla birlikte SALT Galata, Galataport gibi sanat alanları da izleyicilerle buluşmayı bekliyor. Türkiye'nin en büyük kültür ve sanat projesi olan Beyoğlu Kültür Yolu Festivali, 14 Kasım'a dek farklı mekanlarda deneyimlenebilecek. Teknoloji dokunuşuyla yeni nesil iletişim ve sanat pratiklerine de işaret eden etkinlikler, festivalin uygulaması üzerinden takip edilebiliyor.


Nisa Taşyar Savaş'ın sahibi olduğu Vision Art Platform, galeri mekanının üç katına yayılan iki yeni sergiye ev sahipliği yapıyor. Jacqueline Roditi'nin Günün En Güzel Saati isimli kişisel sergisinde yer alan eserleri; yazın, sıcaklığın ve şefkatin güzelliğine eşlik eden tanıdık alanlar ve anıları çağrıştırırken, beklenmedik anlarda ortaya çıkan tekinsizliklere, çelişkilere kapı aralıyor. Ela Atakan kaleme aldığı sergi metninde 22 Temmuz'a kadar sürecek olan Günün En Güzel Saati'yi İsmini sanatçının yazdığı ve henüz yayınlamadığı kitabından alan sergi, kitabın son sayfasıyla başlıyor. Roditi'nin görsel anlatımı, belki de bu sebepten sıklıkla şiire yaklaşıyor ve sanrı ile gerçeklik arasında bir manzara ortaya koyuyor. Sanatçının alışılagelmiş zamanın dışında duran fotoğrafları, bizleri aşina olduğumuz saatlerin uzayarak aktığı yürüyüşlere çıkarıyor. Zamansız çöl, gökyüzü, göl, yol manzaralarına; gündeliğin zamanında yaşayan iç içe geçmiş şefkat dolu bedenler, anlar eşlik ediyor. Yalnızlık, manzaralarda mevcutken, uykuda kayboluyor. Sanatçı sergide yer alan video yerleştirmesinde, deniz imgesini kesitler halinde sergileyerek, çoklu olasılıkların ve karmaşanın dışarıdaki varlığını ve içerideki yalnızlık döngüsünü anlatmak için kullanıyor. Denizin üzerinde farklı yansımalar ve kaotik sesler görüntünün anlık yitimiyle bir anda kesilerek, dibe dalma, içe dönme ve kalp sesi gibi bir uğultuya bırakıyor yerini. Tendeki çiller, denizin üzerinde dağılan beyaz dalgalar, gökyüzündeki yıldızlar, su ve ışık yansımaları bizi yaşananlar ile düşlenenler arasında çelişkiye düşürüyor. Zamanı ve zemini kaydırarak gerçekliklerini sorgulatıyor. Ve beklenmedik bir anda, bazen kan, bazen içimize doğru bakan bir göz bizi uyandırıyor. sözleriyle anlatıyor. Vision Art Platform'un ikinci katında kapılarını açan Şule Nur Alev'in Ötede Bir Şey Yok isimli kişisel sergisi ise, düş/zihin mekanlarını ilk kez izlediğimiz Here You Are'dan Non Plus Ultra'ya doğru sadeleşen, Core serisi ile parçalara ayrılarak, titiz detaycılığı ve kalemi ustalıkla kullandığı desenleri ile bizi yeni düş mekanlarına davet ediyor. Saliha Yavuz tarafından yazılan sergi metninden alıntı: Sergi ismini antik bir post-klasik Akdeniz aforizmasından, Cebelitarık boğazının iki yanındaki Herkül Sütunları'nda yazan, gemilere daha uzağa yelken açmamaları için bir uyarı olarak yazılmış olduğu iddia edilen Non Plus Ultra!dan ödünç alıyor. Rönesans döneminde antik felsefenin düşüncenin ilerlemesi üzerindeki boğucu etkisinin bir metaforu olarak benimsenen kavram Latince'de "daha ötede, ileride hiç birşey yok" anlamına geliyor. Mükemmellik, gelinecek son nokta anlamlarını cesur bir şekilde üzerine giyinen işler ile Non Plus Ultra / Ötesi Yok!'ta sanatçının son bir yıldır ürettiği işler ile birlikte Here You Are ve Core serileri yer alıyor.


Kadınların moda endüstrisindeki yaratıcılığını ve önemini vurgulamak için The Met Women Dressing Women sergisini duyuruyor. New York Metropolitan Müzesi, 2023 Sonbahar'da Costume Institute ile yepyeni bir sergiye imza atmaya hazırlanıyor. 7 Aralık 2023'te başlayacak olan ve 3 Mart 2024'e kadar sürecek Women Dressing Women sergisikadın tasarımcıların yaratıcılığını ve sanatsal mirasını kutluyor. 70'den fazla tasarımcının çalışmalarına ev sahipliği yapan yaklaşık 80 eserden oluşan sergi, 20. yüzyıldan günümüze kadar kadınların öncülüğündeki öne çıkan moda evlerini ve onlara liderlik eden tasarımcılara dikkat çekiyor. AralarındaMiuccia Prada, Vivienne Westwood, Gabriel Chanel ve Jeanne Lanvin'den ikonik parçaların yer aldığı sergide, Ann Lowe ve Anfia Mveumba gibi daha az bilinen tasarımcılara ve Hillary Taymour gibi daha çağdaş tasarımcılara yer verilecek. Dört temel kavramın keşfi yoluyla Women Dressing Women sergisi moda tarihinin geleneklerinin yeni bir yorumunu sunuyor. Öte yandan moda endüstrisinin kadınlar için sosyal, finansal ve yaratıcı özerklikleri açısından güçlü bir araç olarak hizmet ettiğini vurguluyor. Tarih boyunca kadın yapımcılar arasındaki kimlikler, mentorluk geçmişleri ve bağlantılar keşfedilirken yeni iç görüler ve çalışmalarına ilişkin gelişmiş bir anlayış sunuyor. Morgan Stanley tarafından hazırlanan sergi, isimsiz bir terzinin bir tür kollektif ata rolünden başlayarak, günümüzün isimsiz tasarımcılarına uzanan anonimlikdurumu ele alınarak açılacak. Carl ve Iris Barrel Apfel galerisi, Costume Institute'un 20. yüzyılın başlarından kalma koleksiyonunda haute couture endüstrisinin tarihi merkezi olan Paris'te çalışan kadın tasarımcıların bir panteonunu tanıtacak. Görünürlük kavramı, modacıların yükselişini ve tasarımın kolektif doğasını vurgulayarak modanın kadınlara finansal, sosyal ve yaratıcı özerkliğin ilk biçimlerini sağlamak için nasıl bir araç olarak hizmet ettiğini inceleyecek. Lizzie ve Jonathan Tisch galerisi, nesiller arası geçişlerin kadınlar için yeni fırsatlara nasıl yol açtığını ortaya çıkarmak içinaracılık öncülünü kullanarak kadın tasarımcıların ortaya çıkışını zaman ve coğrafya boyunca genişletecek. Tasarımlar ve yapımcılar, sanat alanları, bağımsız mağazalar ve butik kültürünün yükselişiyle moda endüstrisine farklı giriş noktaları gösterecek. 1960'lardan günümüze çalışan çağdaş tasarımcıların giysileri, modanın siyasi ve bedensel bir ifade alanı olarak hizmet ettiği yolları vurgularken kimlik ve seçim kavramlarıyla ilişki kuracak. Sergi, Jacqueline Bouvier'nin o zamanki senatör John'la evliliği için giydiği gelinliği tasarlayan Ann Lowe gibi, çalışmaları yakın zamanda geniş çapta itibar görmeye ve tanınmaya başlayan tasarımcıların nesnelerinin sunumuyla yokluk ya da ihmal hikayelerini vurgulayarak sona erecek.


Argos in Cappadocia Artist in Residence projesi kapsamında, Art Goes Argos ile yönetmen/yazar kimliği Mu Tunç ve dünyaca ünlü Amerikalı sanatçı Zola Jesus'u ağırladı. Argos in Cappadocia, Artist in Residence ile misafirlerine zengin bir tarih, eşşiz güzellikte manzaralar, yöresel ürünler ve geleneksel tariflerle hazırlanan menüler ile otantik dekorasyonla buluşan mimarinin yanı sıra sanatla zenginleştirilmiş bir konaklama sunmaya devam ediyor. Kapadokya'nın büyülü coğrafyasından ilham alan Artist in Residence projesi ünlü sanatçıların yaratım süreçlerine benzersiz bir deneyimle katkı sunuyor. Proje kapsamında, 24-27 Ocak'ta gerçekleşen programın üçüncü deneyimin konukları yönetmen/yazar Mu Tunç ve dünyaca ünlü Amerikalı şarkıcı/şarkı yazarı Zola Jesus oldu. Mu Tunç, geçen Kasım ayında da Art Goes Argos kapsamında Argos in Cappadocia'da ilham yolculuğuna çıkmasının ardından bu deneyimi ikinci kez yaşayan ilk isim oldu. Kendine has tarzı, şarkıları ve sesiyle dünya genelinde geniş bir hayran kitlesine sahip olan Zola Jesus, özel olarak hazırlanan program kapsamında Argos in Cappadocia'nın farklı mekanlarını deneyimledi. Argos in Cappadocia'nın, bulunduğu coğrafyayı yansıtan mistik atmosferi Zola Jesus'un özgün yaratım sürecine eşlik ederken, sanatçı Bezirhane'nin büyülü atmorferinden aldığı ilham ile piyano başına geçip özel bir konser verdi. Mu Tunç ise hem Zola Jesus'un bu ilham yolculuğunu hem de konseri kameraya alarak özel bir kolaj film haline getirdi. Zola Jesus ve Mu Tunç, Art Goes Argos kapsamında önümüzdeki dönemde de üretimlerini sanatseverlerle buluşturmaya devam edecek.


Miu Miu Women's Tales kısa film serisinin 26. bölümü Stane, yönetmen Antoneta Alamat Kusijanovic imzası taşıyor. Günümüzün özgün kadın yönetmenlerine saygı duruşunda bulunan ve 21. yüzyılda kadın olmayı sorgulamaya davet eden kısa film, 3 Eylül'de Venedik Film Festivali'nde prömiyer yapıyor. Stane kısa filmi, kadınların toplumun dokusunu korumak için yapmak zorunda olduğu fedakarlıklar; göçmen nesiller arasında hissedilen ailevi gerilimler, kültürel normlar ve huzursuzluklar; cinsiyetler arasındaki onur ve onursuzluk gibi temaları konu alırken hem kendi kültürüne özgüdür hem de evrenseldir. Karmaşık bir inşaat sahasında geçen film, taze bir ihanet konusunu ele alırken uzaktaki New York siluetini selamlıyor. Stane, ailesinin işini devralmaya hazırlanıyor. Ancak Stane'in evliliği yıkım tehlikesi altında. Geleneksel ataerkil beklentilerin eşlere dayattığı karşıtlık ile Stane'in kendi acısı ve öfkesi arasındaki bir çeşit hesaplaşmayı anlatan kısa film, Miu Miu dijital kanallarında ve tüm MUBI platformlarından erişilebiliyor.


Dünyanın en fazla ziyaret edilen ve en ünlü eserlerinden Mona Lisa'ya ev sahipliği yapan Louvre Müzesi şimdi bir tık uzakta. Dünyanın en fazla ziyaret edilen müzelerinden Louvre koleksiyonunun tamamı ilk kez çevrimiçi olarak erişilebilir durumda. Louvre koleksiyonlarının zenginliği, müzenin tüm sanat eserlerini tek bir yerde bir araya getiren yeni bir platformda görülebiliyor. Üstelik daha kullanıcı dostu ve sürükleyici yeni bir web sitesi eşliğinde. Hem araştırmacılar hem de meraklı sanatseverler için tasarlanan Louvre ve Musee National Eugene-Delacroix'ten eserler ve Tuileries ve Carrousel bahçelerinden heykeller dahil olmak üzere 482.000'den fazla kayıt ücretsiz olarak görülebilecek. Sitede yer alan etkileşimli bir harita, katılımcıların ziyaretlerini hazırlamalarına veya uzatmalarına yardımcı olmanın yanı sıra müzeyi oda oda keşfetmelerine de olanak tanıyor. Müze uzmanları tarafından düzenli olarak güncellenen veritabanı büyümeye devam edeceği ve araştırmadaki gelişmeleri yansıtacağı da gelen haberler arasında. Louvre Müzesi'nin başkanı ve direktörü Jean-Luc Martinez, "Louvre'un çarpıcı kültürel mirası artık sadece bir tık ötede. Bu dijital içeriğin, Louvre'a gelip koleksiyonları bizzat keşfetmeleri için insanlara ilham vereceğinden eminim" diyerek müzenin koleksiyonunun erişime açılmasının heyecanını aktartıyor. Fransızca, İngilizce, İspanyolca ve Çince olarak mevcut olan site, tabletlerde ve bilgisayarlarda ziyaret edilebilecek, ancak öncelikle akıllı telefonlarda kullanılmak üzere tasarlandığı gelen bilgiler arasında.


Louis Vuitton, tarihinin son 160 yılına yayılan sanat ve tasarım işbirliklerini sergilediği LV Dream ile yenilikçi ve çağdaş duruşunu pekiştiriyor. Paris'te açılan LV Dream, markanın evrenselliğe referansla kurduğu sanatsal ortaklıklarını tarihsel incelemeye açarken, markanın yıllara yayılan kreatif gelişimini gözler önüne seriyor. Dokuz farklı galeriye yayılan eserlerle modaevinin kurduğu diyaloğu izleyiciye açan mekan, böylelikle dünyaca ünlü sanatçı ve tasarımcılar Rei Kawakubo, Takashi Murakami, Jeff Koons, Yayoi Kusama ve Azzedine Alaia gibi isimlerin çalışmalarını ilk kez bir araya getiriyor. Louis Vuitton'un kapsamlı arşivinden çıkan objelerle yan yana gelen çalışmalardan en ilgi çekenlerinden biri örneğin; modaevine adını veren kurucusunun, çağdaş figüratif resim öncülerinden Amerikalı sanatçı Alex Katz tarafından yapılan portresi. Yine modaseverlerin kolaylıkla hatırlayacağı, 2008 İlkbahar/Yaz koleksiyonundan maskeli hemşire kıyafetlerinin, dönemin kreatif direktörü tasarımcı Marc Jacobs'ın Amerikalı sanatçı Richard Prince ile yarattığı işbirliğinin bir parçası olduğunun bilgisi, bu sergide açığa çıkıyor. Diğer yandan, efsanevi fotoğraf sanatçısı Paul Nadar'ın markanın kuruluş yıllarından günümüze ulaşan ekipman çantası ve ünlü İngiliz orkestra şefi Leopold Stokowski'nin, katlandığında bagaja dönüşen çalışma masası gibi örneklerle kurulan ve köklere giden bu tarihsel bağ, aynı zamanda mekana ev sahipliği yapan mimariyle de ilişkileniyor. Zira LV Dream, 19. yüzyılın ikinci yarısının en popüler alışveriş merkezi ve artık yalnızca adı yaşayan, La Belle Jardiniere'de konumlanıyor. LV Dream sergisi 15 Kasım 2023 tarihine dek Paris'te ziyaretçilere açık olacak.


Güncel sanat etkinliği Mamut Art Project, sergileme alanını ve içeriğini genişleterek 19 - 31 Ekim tarihleri arasında Yapı Kredi bomontiada'da ve çevrimiçi platformunda eş zamanlı izleyicileriyle buluşmaya hazırlanıyor. Türkiye genelinde bağımsız yetenekleri sanat profesyonelleriyle buluşturan ve süresiz danışmanlık desteği sağlayan Mamut Art Project, yeni sergi tasarımı ile pandemi öncesi ve pandeminin ilk yılında yapılan uyarlamaların bir sentezi ile ziyaretçilerini ağırlamaya hazırlanıyor. Mamut Art Project 2021, 19 Ekim Salı günü Yapı Kredi bomontiada'da ve çevrimiçi platformunda eş zamanlı olarak başlıyor. Bu sene bomontiada'nın üç mekanına yayılan sergi alanı ve zengin içeriği ile dopdolu bir deneyim sunmaya hazırlanan Mamut Art Project'te 44 sanatçının eserleri ve Dreamscapes adı altında özel bir seçki sergilenecek. Sergi 31 Ekim tarihine kadar ziyaret edilebilecek. Eserler, kurulduğu günden bu yana birlikte düşünmeyi, üretmeyi ve paylaşmayı teşvik eden bir platform olarak, sanatın her dalından yaratıcı ve üretici örneklere ev sahipliği yapan Yapı Kredi bomontiada'nın bahçesi dahil olmak üzere üç farklı mekanında sergilenecek. 44 sanatçının 300'e yakın eserinden oluşan daha kapsamlı bir seçki ise eş zamanlı olarak mamutartproject.com adresi üzerinden sanatseverlerle buluşacak. Mamut'un sosyal medya kanalları üzerinden proje süresince yayınlanacak röportaj videolarıyla sanatçılar ve eserleri hakkında bilgi edinilebilecek. Mamut Art Project 2021 edisyonunda, illüstrasyon sanatçılarının, müzikle olan kişisel bağlarından yola çıkan hayali konser afişi projesi 'Dream Gigs Illustrated'i yürüten HOOD Base ekibi ile Dreamscapes adı altında özel bir sergi için bir araya geldi. Hood Base küratörlüğünde gerçekleşecek sergide yaklaşık 28 illüstratörün, müziğin görsel dünyasını yansıttıkları eserleri yer alacak ve çalışmaların limitli edisyonları satın alınabilecek. Aynı zamanda, mekana gelen ziyaretçileri Dream Gigs Illustrated projesinin devamı niteliğinde olan bir sürpriz bekliyor olacak. Sizi müzikle örülü, her şeyin mümkün olduğu bir yere çağırıyoruz: 'Dreamscapes'. Ruhumuzda iz bırakan, bizi bir sonraki güne taşıyan, her anın eşsizliğinin altını çizen müzik bir yer olsaydı, burası olurdu. Sergide; Burak Beceren, Burak Tozkoparan, Bülent Gültek, Can Dağlı, Cins, Cosmicnutz , Dilara Akbal, Doğa Can Ertürk, Ece Haskan, Efe Akarca, Erdem Yıldız, Hande Koçhan, Hürkan Alcan, Kübra Su Yıldırım, Mert Tugen, Merve Atılgan, Merve Yiğit, Murat Kalkavan, Ozan Atalay, Selin Çınar, Serçin Çabuk, Somonzi, Tolga Tarhan, Tuğçe Türksoy, Ufuk Barış Mutlu, Uğur Acil, Yiğit Yerlikaya ve Vardal Caniş'in üretimleri yer alacak. Ayrı bir alanda sergilenecek 'Dreamscapes' sergisine, Yapı Kredi bomontiada'da ve eş zamanlı olarak mamutartproject.com adresinden ulaşılabilecek. Her yıl alanında uzman isimlerden oluşan jüri üyeleri tarafından belirlenen sanatçılara disiplinlerarası bir paylaşım ve sergileme imkanı sunan Mamut Art Project'in bu yılki jürisinde, İstanbul Bilgi Üniversitesi Mimarlık Fakültesi Endüstri Ürünleri Tasarımı ve İç Mimarlık Bölüm Başkanı Can Altay, küratör, sanat tarihçisi ve yazar Necmi Sönmez, sanatçı Hale Tenger, sanat danışmanı Melis Terzioğlu ve Pilot Galeri kurucusu ve direktörü Azra Tüzünoğlu yer alıyor. Türkiye genelinde bağımsız sanatçıların üretimleriyle büyümeye devam eden Mamut'a bu sene Türkiye'den yurt dışına göç etmiş bir çok sayıda genç sanatçı başvurdu. Sergilenecek işler arasında video başta olmak üzere dokuma ve yerleştirmeler dikkat çekerken seramik, illüstrasyon, dijital, fotoğraf, kolaj ve resim dahil olmak üzere birçok alanda üretimler yer alıyor.


Diğer canlılarla bağlantı kurma mücadelesinde içsel değişimlerini yansıttığı işleriyle, Melih Çebi Pilot Galeri'de. Konvansiyonel anlamda sanat eğitimi geçmişi olmayan Çebi için akademik bir altyapıdan gelmediği gerçeği, izleyiciyle de açıkça paylaşmak istediği bir ayırt edici özelliğe dönüşüyor. Bir çeşit dışlanmışlık olarak gördüğü bu durum, aynı zamanda çocuksu tavrını sergilemek ve sürdürmekle de ilişkileniyor. Bu tutumun işlerime bir şekilde özgünlük ve derinlik kattığını düşünüyorum. Sanatım da bu kusurlara odaklanarak benim spontane ve oyuncu bir hava yaratma ve koruma isteğimi yansıtıyor. Henüz 3-4 yaşlarındayken çizim yapmaya başlayan ve o günlerden bu yana resimle bağını koruyan Çebi, aradan geçen 30 senenin sonucunda, sözü tekrar çocukluğuna bırakıyor: Kendimi bulmak için çocukluğumdan beri sürdürdüğüm bu kurgusal yolculuk, bir noktada her geçen gün büyümeye ve şişmeye devam eden bir balona benziyor. Çevremi, evim diye bahsettiğim şehrin ruhunu, ait olduğum coğrafya ve ülkeyi, dünyayı ve esasında tüm evreni anlamaya yönelik çabalarım, gün geçtikte büyümeye devam eden bir sabun köpüğünü gözlemlemeye ve incelemeye itiyor beni. Şimdiyse geçmişte el üstünde tuttuğum ve zamanı geldiğinde kopmakta zorlandığım oyuncaklarımı hatırlatıyor. Sanatçı, kendini keşfetme sürecinde çocukluğunu bir başlama ve buluşma noktası olarak belirlerken, zamanın zikzaklı koordinatlarında geziniyor; yetişkinlerin normatif standartlarını, hızla değişen trendlerini ve tüketim kültürünü anlamlandırmaya çalışıyor. Melih Çebi'nin ilk kişisel sergisi Baby on Board, 18 Mart - 29 Nisan tarihlerinde Pilot Galeri'de ziyaretçilere açık olacak.


Eserlerinde gerçek olamayacak kadar güzel bir dünya tasviri yapan Melis Buyruk, "Habitat" serisini Vogue Türkiye'ye anlatıyor. İlkbahar sonunda New York Leila Heller Gallery'de gerçekleşecek Habitat sergisini hazırlayan sanatçının, pandemi sürecinde ürettiği 14 eseri sergide izleyiciyle buluşacak. Serinin tamamını tek başına karantinada kaldığı dönemde üreten Melis, New York'taki ilk kişisel sergisini gerçekleştireceği için fazlasıyla heyecanlı olduğunu söylüyor. Seramik gibi çalışması sabır gerektiren ve sürprizlere açık olan bir malzemeyle dokuları, tüyleri, dikenleri, yaprakları, hayvan figürlerini tek tek çalıştığı doğa tasvirleri yaptığını ve gerçekçiliğin yanında aslında gerçek olmayan bir dünya sunduğu için doğada görmeye alışık olduğumuz renkleri kullanmaktan kaçındığını anlatıyor Melis Buyruk: Jacob Bronowski, kaleme aldığı İnsanın Yükselişi'nin birinci bölümünde, insanı diğer tüm canlılara göre farklı bir yere yerleştirdiği şu saptamayı yapar: İnsan olağanüstü bir yaratıktır. Kendisini canlılar arasında eşsiz kılan bir dizi yeteneğe sahiptir. Diğerlerinden farklı olarak, manzarada yer alan bir figür değil, manzaranın bir şekillendiricisidir. Bedende ve zihinde doğayı keşfedendir; her kıtada yuvasını bulan değil, yuvasını yapan, her yerde yaşayabilen canlıdır. İnsanı diğer canlılara göre apayrı bir yere konumlandıran bu saptamanın karşılığında Habitat serisinde, türler arasında hiyerarşiyi yok sayarak insan, hayvan ve bitkilerin bir arada yaşadığı hibrit yaşam formları ve tanımsız dünyalar kurguluyorum. Bu dünyayı estetik unsurları önemseyerek oluşturuyorum. Güzellik, çalışmalarımda önemsediğim bir kavram. Amacım, izleyicinin ilk bakışında gördüğü güzelliğe yaklaştığında fark ettiği detaylarla tüm metni tekrar düşünmesi. Melis Buyruk'un detaycı üslubuyla incelikle yarattığı dünyayı yakından görmek isterseniz Pg Art Gallery ile iletişime geçebilirsiniz.


Farklı nesillerden kadın sanatçıların görünürlüğüne adanan Hep Buradayız sergisi, İstanbul Modern'in yeni binasında. Müze mimarisi, sergileri ve sanat programlarıyla şehirde ve dünyada köklenmeye hazır. Bu yazıyla, İstanbul Modern'de kadın sanatçıların yer aldığı Hep Buradayız sergisine odaklanmadan önce, her birinin ayrıca görülmesi ve mercek altına alınması gereken sergileri anmadan geçmeyelim. Yüzen Adalar, çoğunluğu ilk kez sergilenen; Türkiye ve dünyadan sanatçıların 280'den fazla yapıtına yer verirken, Nuri Bilgi Ceylan'ın Başka Bir Yerde başlıklı fotoğraf sergisi yönetmenin farklı coğrafyalarda çektiği 22 büyük portreden oluşuyor. Renzo Piano: Yerin Ruhu sergisi müzenin yeni binasının hikayesini gözler önüne sererken, Cemal Emden'in Mimarinin İnşası başlıklı fotoğraf sergisi ise inşaat süreci dahilindeki mimari unsurları tarihe iz düşen görsellerle bir anlatıya dönüştürüyor. Bank of America'nın sponsorluğunda gerçekleşen ve kadın sanatçıların üretimlerini desteklemek üzere 2016 yılında başlatılan İstanbul Modern Kadın Sanatçılar Fonu vesilesiyle koleksiyona dahil edilen eserlerin sergilendiği Hep Buradayız sergisi ise, farklı mefhumları işleyen ve tekil varoluşlarıyla bulundukları yerde güçlü yapıtların biraradalığına adanıyor. Kimlik politikaları, kolektif ve mekansal bellek, ataerkil ve normatif sosyal unsurların irdelendiği çalışmalar, farklı nesillerden sanatçıları bağlantıya geçirerek çok katmanlı bir eleştirel söylemin varlığına da alan açıyor. rin kadın mücadelesine katkısının altını çiziyor: 1980'lerden itibaren toplumsal meseleleri net bir şekilde dile getiren, kendi hayatını ve bedenini ifşa ederken dayatılan rolleri sorgulayan ve bunlara en cesur şekilde karşı koyanlar kadın sanatçılar oldu. Bu anlamda, özellikle 20. yüzyılın ikinci yarısından itibaren üretilen sanatı, kadınların artık kendi ifadelerini buldukları, farklı malzeme ve yöntemlerle yapıtlarına aktardıkları, böylece yalnızca temsil edilmekten çıkıp, kendi sanatsal ifadeleriyle var oldukları bir dönem olarak düşünebiliriz. 2000'li yıllarda ise sanat ekosisteminde kültür-sanat kurumlarının, özel müzelerin ve galerilerin açılması, koleksiyonerlerin artmasıyla birlikte sergileme imkanlarının genişlemesi, kadın sanatçıların görünürlüğüne de katkıda bulunuyor; ancak yine de bir cinsiyet eşitliğinden söz etmek mümkün olmuyor elbette. Hep Buradayız sergisi, kendi dilini oluşturmuş, yapıtlarında izleyiciye direkt etki eden, odaklandığı meselede estetik ve düşünsel iddiası olan kadın sanatçıların yapıtlarına yer veriyor. Farklı malzemeler, farklı konular, farklı ifade biçimleri ve farklı teknikler, kadın sanatçıların yaşadığı dönemi, ortamı ve atmosferi yorumlama ve yansıtma becerileriyle birbirine bağlanıyor. Özsoy sergide yer alan sanatçıların yaratma cesaretlerinin, bugünün sanatının güçlü örneklerini sunmalarına aracı olduğunu anlatıyor. Yaşadıkları çağa tanıklık eden bu sanatçılar, her türlü ayrımcılığa, eşitsizliğe karşı seslerini yükseltirken; göç ve bunun sonucu ortaya çıkan sorunları, cinselliğin barındırdığı iktidar ilişkilerini, güç ve aidiyet gibi kavramları, bellek, mekan ve tarih yazımı arasındaki ilişkileri, ekolojik felaketlerin yarattığı yıkımları yapıtlarında aktarıyorlar. Türkiye'den 11 değerli kadın sanatçının yer aldığı sergide, yakın zamanda kaybettiğimiz Selma Gürbüz, mitolojiden beslenen kült kadın figürlerini yeniden yorumlayan eseri Birbirimize İyi Bakalım (2020) ile izleyene toplumun bir parçası olduğunu ve dayanışma ihtiyacını hatırlatıyor. Hera Büyüktaşçıyan'ın Sonsuz Takımadalar Üzerine Bir Çalışma (2017) başlıklı işi, sanatçının Heybeliada'da yaşadığı Terk-i Dünya Manastırı'ndan başlayarak farklı mekanlara yaydığı -fayans parçası ve taş gibi artık istenmeyen mimari buluntuları- araştırma sürecini nihaileştiren bir yerleştirme. Mehtap Baydu'nun Otoportre: Karakter Bürünmek (2017) adlı yapıtı, toplumsal cinsiyet rollerini kadın elbiseleriyle kurguladığı bir performansla test ederken, İnci Eviner 2005 tarihli Tekinsiz serisi dahilindeki Arthur Rimbaud ve Korkma Sana Bir şey Olmaz isimli işlerinde güç ve iktidarın korkuyla ilişkisini inceliyor. Ayrıca Nilbar Güreş, Sibel Horada, Bengü Karaduman, Zeynep Kayan, Ayça Telgeren, Güneş Terkol ve Burcu Yağcıoğlu'nun eserleri de Hep Buradayız sergisinde, izleyenin temaşa ve tetkiklerini bekliyor.


Metropolitan Sanat Müzesi, Mayıs ayında gerçekleşecek Costume Institute'ün bahar sergisi Karl Lagerfeld: A Line of Beauty hakkında detayları paylaşmaya devam ediyor. Her yıl Mayıs ayının ilk pazartesi günü, Metropolitan Sanat Müzesi ve Costume Institute işbirliğinde gerçekleşen Met Gala 2023 için geri sayımı başlatabiliriz. Bu senenin teması ise çok uzun süre önce açıklandı; tabi hemen ardından gelen tartışmalar da uzunca bir süre konuşuldu. Galada konukların Karl Lagerfeld: A Line of Beauty temasına uygun kostümlerlerle kırmızı halıda boy göstermesi bekleniyor. 5 Mayıs 2023'te kapılarını açan ve 16 Temmuz' kadar devam edecek sergide Karl Lagerfeld'in 150'den fazla orijinal görünümünü yer alırken tasarımcının 1950'lerden 2019'daki son koleksiyonlarına kadarki yaratıcı çalışmalarını keşfetme şansına sahip olacağız. Sergi, aynı zamanda tasarımcının Balmain ve Patou'daki zamanını da ele alacak. Sergilenen nesnelerin çoğu, onun geniş eskiz koleksiyonuyla birlikte görülecek. Ziyaretçilerin, tasarımcının karmaşık yaratıcı süreci ve kreasyonlarını gerçekleştiren terziler olan "premieres d'atelier" ile işbirliğine dayalı ilişkileri hakkında çok boyutlu bir anlayış edinmeleri amaçlanıyor. Sergilenecek 150 parçanın çoğuna Lagerfeld'in eskizleri de eşlik edecek. Serginin küratörlüğünü Kostüm Enstitüsü'nden Wendy Yu üstlenirken, Lagerfeld'in uzun süredir arkadaşı olan Amanda Harlech de yaratıcı danışman olarak görev yapacak. Alman tasarımcı ilk kez 1996 yılında tanışan ve Pritzker ödüllü bir mimar olan Tadao Ando ise sergiyi tasarlayan isim olarak karşımıza çıkıyor. Lagerfeld'in 1997'den 2019'a kadar olan koleksiyonlarını belgeleyen Loic Prigent ise sergi için video içeriği üretecek. 1 Mayıs'ta yapılması planlanan Met Gala'nın eş başkanlığını Michaela Coel, Penelope Cruz, Roger Federer, Dua Lipa ve her zaman olduğu gibi Conde Nast'ın küresel içerik sorumlusu Anna Wintour üstleniyor. Büyük destek ve finansman ise moda devleri Chanel ve Fendi tarafından sağlanıyor. Bu arada sergiyle bağlantılı olarak, Mayıs ayında Karl Lagerfeld: A Line of Beauty adlı bir kitap da çıkacak.


TÜKD İstanbul Şubesi bünyesindeki Mina'nın Çocukları Projesi, Kolektif "Hafıza" sergisi, disiplinlerarası bir seçkiyle ziyaretçilerini ağırlıyor. Didem Erk, Fikrimin İnce Gülü, 2012, Kağıt üzerine dikiş ipliği, Değişken ölçüler, sanatçı ve Zilberman Gallery'nin izniyle. Türk Üniversiteli Kadınlar Derneği İstanbul Şubesi bünyesindeki Mina'nın Çocukları Projesi, Kolektif Hafıza sergisi Ramada Bodrum'da 1 Eylül 2021 Çarşamba günü açıldı. Yaşanan iklim krizi ve buna bağlı olarak tüm dünyaya yayılan orman yangınları ve pandemi gibi global sorunların tam ortasında olduğumuz bu çağda, insanların birbirlerine bağlanması ve bir ağaç gibi ortak hafızada buluşabilmeleri hayati bir önem taşıyor. İçinde bulunduğumuz zorlu dönemde ortak hafıza ile pozitif bir toplum tasarımı oluşturma fikriyle yola çıkan Kolektif Hafıza sergisi, Mina Başaran ve arkadaşlarının anısını yaşatmak amacıyla, Türkiye'nin dört bir yanından dezavantajlı kız çocuklarının maddi ve manevi gelişimlerine destek olmak, kendilerine güven duymalarını, bedenlerini ve kimliklerini sevmelerini ve her türlü ayrımcılığa karşı durabilmelerini amaçlayan TÜKD İstanbul Şubesi Mina'nın Çocukları Projesi kapsamında gerçekleşiyor. Kolektif hareket etmenin ve geleceği, geçmişte yaşadıklarımızı unutmadan inşa edebilmenin en büyük ilham kaynağı olan sanat TÜKD İstanbul Şubesi Mina'nın Çocukları Projesi'nin temel taşlarından birini oluşturuyor. Proje, bu doğrultuda satış amacı gütmeden ücretsiz gerçekleştireceği sergi ile yeni bursiyerlerine fayda sağlamak için mümkün olduğu kadar fazla kişiye ulaşmayı amaçlıyor. Önümüzdeki dönemde ise sanat öğrencilerine de katkı sağlamak amacıyla projenin destek alanı ve kapsamı genişletiliyor. Yiğit Yazıcı, RTU239621, 2021, Tuval üzerine akrilik, 180 x 180cm. Sergide resim, heykel, video ve enstalasyon dahil olmak üzere farklı medyumlarda üretim yapan 11 sanatçı Pınar Akkurt, Ramazan Can, Fırat Engin, Leyla Emadi, Didem Erk, Mert Ege Köse, Ouchhh, Erdil Yaşaroğlu, Yiğit Yazıcı, Uğur Ayık Koleksiyonu'ndan Ardan Özmenoğlu ve Feride İkiz Koleksiyonu'ndan Mario Klingemann'nın eserleri yer alıyor. Sergi, aynı zamanda Bodrum'daki öğrenciler için düzenlenecek özel sergi turlarıyla, çocukların değişim ve dönüşüm süreçlerine destek olmak üzere projeye sanatın gücünü kullanarak katkı sağlamayı hedefliyor. Hepimizin ihtiyacı olan pozitif enerji ile uyumlu, mekanının hafızası ile bütünleşen, disiplinlerarası bir seçkinin yer aldığı Kolektif Hafıza sergisi 11 Eylül 2021 tarihine kadar Ramada Bodrum'da görülebilir.


Son günlerde adını sıkça duyduğumuz NFT'nin peşine düşüyor ve moda dünyası bu çılgınlığa nasıl dahil oluyor sorusunu keşfe çıkıyoruz. Son günlerde belki de en çok duyduğumuz şeylerden biri NFT. İlk olarak ne anlama geldiğiyle başlayalım, daha sonra sanat dünyasındaki gelişmeleri incelemeye devam edeceğiz. İngilizce açılımı non-funible token olan NFT, internet üzerinden satılan dijital eserlerin sertifikalandırılması anlamına geliyor. Yani dijital ortamda sergilenen eserlerin varlığını ve mülkiyetini temsil ediyor diyebiliriz. Küçük bir örnekle açıklayalım. Eskiden sanat galerileri ya da açık artırmalar aracılığıyla bir tabloyu ya da bir heykeli satın alırken fiziksel varlığına para veriyorduk. Ancak dijital ortamdaki sahipliği temsil eden NFT'ler sayesinde artık fiziksel varlık söz konusu olmasa da eserler alınabiliyor ve sahiplikler tescillenebiliyor. NFT'ler de Bitcoin ve diğer kripto para birimleri gibi, blockchain teknolojisini kullanıyor, kripto para birimleri kullanılarak satın alınabiliyor. Ürünler aklınıza gelen her şey olabilir- NFT haline getirerek satışa çıkarıyorsunuz. Her bir ürünün özel bir dijital kodu oluyor ve bu dijital kod bir anlamda söz konusu ürünün sertifikası kabul ediliyor. İkonik bir tweet, çok paylaşılan bir video ya da dijital sanat eserlerinden, fotoğrafa kadar pek çok şey NFT olarak satışa sunulabiliyor. Örneğin, NBA Top Shot uygulaması aracılığıyla satılan Lebron James'in smaç video NFT'si 77 bin dolara satılırken; Twitter CEO'su Jack Dorsey'in tweet'i 2.9 milyon dolara alıcısını buldu. Elon Musk da bu trende ayak uyduranlardan biriydi. Musk, bir GIF ile paylaştığı tweet'ini NFT olarak açık artırmaya çıkardı. Türkiye'den de NFT trendine katılanların sayısı gün geçtikçe artıyor. Sanatçı Tarık Tolunay'ın 'Fractal İstanbul-Pandemi' adlı eseri, Türkiye'nin NFT'ye çevrilerek satılan ilk eseri oldu. Ne yani evimde otururken attığım bir tweet NFT ile satış rekorları kırabilir mi? sorusunun aklınıza geldiğinizi biliyoruz. Şansınız yaver giderse neden olmasın, ancak NTF tam olarak bu demek değil. Bazı insanlar bunun gerçekten dijital bir sanat koleksiyonculuğu olacağına inanıyor. NFT satmak için de birkaç adım gerekiyor. Farklı platformlar üzerinden satış yapılabildiği için her platformun kendine has bazı özellikleri ve talimatları olduğunu bilmek gerekiyor. İçeriğinizi esasen bir platforma yükledikten sonra, onu bir NFT'ye dönüştürmek için talimatları uygulayacaksınız. Daha sonra ürününüz hakkında bilgiler paylaşmak, ürünü açıklamak ve önerilen fiyatlandırma gibi adımları takip etmeniz gerekecek. Çok zor görünmese de alışveriş yaparken iyi bir araştırma yapmanın ve güvenilir kaynaklar seçmenin önemli olduğunu bir kere daha hatırlatalım. Neredeyse her gün NFT rekor satışlarıyla ilgili bir başka yeni haber gündeme geliyor. Elbette moda dünyası da bu yeni trende karşı koyamadı. Vogue Business, birçok sektör kaynağından aldığı bilgilerle, bir dizi lüks moda evinin NFT'leri piyasaya sürmeye yakın olduğunu doğruladı. Sydney merkezli moda koleksiyon platformu Neuno'nun, şu anda NFT'leri piyasaya sürmek için beş lüks moda eviyle çalışmaya başladığı açıklandı. Gucci'nin geçtiğimiz günlerde satışa sunduğu dijital sneakerlar da moda evinin NFT'ye girişinin habercisi olduğu şeklinde yorumlanmıştı. Gelen son verilere göre İtalyan moda devi her an bir NFT müjdesiyle sektöre hareketlilik katabilir. Öte yandan lüks saat markası Jacob & Co., sosyal kanallarında NFT platformu ArtGrails ile işbirliği içinde yaklaşan NFT müzayedesini tanıtıyor ve onu ilk NFT lüks saat lansmanı olarak adlandırdı. İnternetten telefonunuza bir resim indirmek, bir Picasso tablosunun reprodüksiyonunu satın almaya benziyorsa, o görüntünün NFT'sine sahip olmak, orijinal Picasso'ya sahip olmak gibidir. Bu ayrıcalığın özellikle lüks moda markaları için bir stratejiye dönüşmesi çok da uzak gelmiyor. Markalar ve yaratıcı ekipler NFT'nin olumlu yanlarının yanı sıra riskleri üzerine düşünmeye devam ederken, moda dünyasından isimlerse çoktan işbirliklerini açıklamaya başladı bile. Son olarak Kate Moss üç farklı videosunu NFT olarak satışa çıkardığını açıklayarak oyuna dahil olduğunu duyurdu. Moss NFT'ler benim için ilginç, çünkü doğrudan katılabileceğim ve imajımın kontrolünü elimde tutabileceğim yeni bir sanat ortamı," şeklindeki açıklamasıyla da bu dünyaya giriş nedenlerini açıklamış oldu. NFT trendi sanat ve moda dünyasını nasıl etkileyecek, kalıcılığı olacak mı sorularının cevabını tam kestiremiyoruz ancak bir süre daha satış rekorları kıran NFT haberlerini duyacağımıza eminiz. Moda dünyasındaki ünlü oyunculardan hangileri bu rüzgara kapılacak merakla bekliyoruz.


Gastronominin zihin açıcı yanına odaklanan sanatçılar, gıda ve yemekle ilişkimizi toplumsal cinsiyet, hafıza, tedarik zinciri ve temsiller üzerinden irdelerken bize yeni bakış açıları sunuyor. Gastronominin zihin açıcı yanına odaklanan sanatçılar, gıda ve yemekle ilişkimizi toplumsal cinsiyet, hafıza, tedarik zinciri ve temsiller üzerinden irdelerken bize yeni bakış açıları sunuyor. Sanatın kullandığı malzeme çeşitliliği ve sanatsal ifadenin olası olduğu alanlar dahilinde; yiyecek, gıda yahut yemek mefhumları sosyal, kültürel ve politik boyutlarıyla inceleniyor ve kavramsal olarak yeniden üretiliyor. Sanatçılar, öncelikle gündelik hayatın sürmesine aracı olan ve zamanla türlü anlamlar ve boyutlar kazanan bu olguyu derinleştiriyor, kendi dilleriyle izleyiciye anlatıyor. Böylece, mutfağın bileşenleri çağdaş sanat tarihinin bir parçasına dönüşüyor. 2000'lerin ortalarından bu yana ulusal ve uluslararası sergilerde yer alan ve aktif üretim yapan Seda Hepsev'in düşünme, araştırma yapma ve yazma pratiklerini edindiği yer, Yıldız Teknik Üniversitesi Sanat ve Tasarım Fakültesi. 2001 yılında yüksek lisans yapmaya ve hemen ardından üniversitede çalışmaya başladım. Sanat Tasarım Fakültesi henüz kurulmuştu ve yenilikçi, disiplinlerarası geçişkenliği destekleyen, entelektüel bir platform gibiydi. Bu süreçte okulda çok değerli sanatçılar ve hocalarla çalışma şansım oldu diyerek özetliyor bu dönemi Hepsev. Bu süreç boyunca daha çok resimleriyle izleyiciye ulaşan sanatçı, gıda malzemeleriyle işler yapmaya bir çağrı üzerine başlıyor. 2007 yılında Halil Altındere'nin davetiyle Gerçekçi Ol, İmkansızı İste sergisine katılmıştım. Karşı Sanat Çalışmaları'ndaki bu serginin açılışında yenmek üzere servis edilen kurabiye adamlar ve kadınlar yapmıştım. Her iki şeklin cinsiyetini vurgulamak üzere belli bölgelerine çörek otu eklemiştim. Kadın kurabiyeler hemen yenmişti ama erkek kurabiyeleri alıp yemeye çekinmişti sergiye gelen izleyiciler. Yiyecek ve yeme kültürü üzerinden sanatsal üretiminde toplumsal cinsiyet rollerini irdeleyen sanatçı, gıda malzemelerinin formları ve bu formların toplumsal cinsiyet alanındaki temsilleri üzerine düşünüyor, araştırıyor. Bu noktada 2018'de ekmek hamurundan yaptığı minik anıtlar üzerine bir anekdot paylaşıyor: Biraz soyuta kaçan ama fallik formlar olmasına dikkat ettiğim bu anıtları, Zürih Gölü kenarına yerleştirip orada bıraktım. Göldeki kuş, kuğu ve ördeklerin anıtları yemelerini istedim. Bazılarını kuşlar kaptı. Ekmek anıtlar suya düşünce yumuşadığı için ördekler ve balıklar da yedi. Sanatçının ekmek dilimlerini farklı pozisyonlarda çizdiği Erotic Bread isimli desen serisi, çeşitli koleksiyonlarda yer alıyor. Yine ekmek desenlerini kullandığı Edge of a Bread as a Topography isimli işi, Scoul'da NAIRS Zentrum für Gegenwartskunst'taki bir sergide yer aldı. Şu sıralar İsviçre'de katılacağı sergilere çalışan Hepsev, gıda malzemelerini kullanarak yaptığı işleri, farklı süreçler gerektirdiği için zihin açıcı buluyor. Gıda hareketlerini, aktivistleri, yeme-içme oluşumlarını, genç şefleri ve çeşitli gastronomi aktörlerini yakından takip eden sanatçı TUNCA, 2014 yılında artON'da gerçekleşen Desire sergisi kapsamında aşçılık eğitimi alıyor. Gıdayı bir malzemeden çok alan olarak gören sanatçı, o dönemde yeni kurulan Doors Akademi'ye gidip onlara mutfağı tanımak ve öğrenmek istediğini söylüyor. Akademi projeyi beğenerek sponsor oluyor. Yöntemsel olarak, mutfağı pratiğinin bir parçası olarak gören sanatçı; nesnelerin, kavramların arkasındaki ideolojileri sorgularken, mutfağın sosyolojik ve politik durumunun kendisi için çok cezbedici olduğundan bahsediyor. Gastronomiyi hafızayla ilişkilendiren sanatçı, örneğin, 2014'te Adam Mickiewicz Müzesi çatısı altında Tarlabaşı'nda, Mickiewicz'in yaşadığı 1800'lü yıllara ait bir reçeteyi performe ediyor. Tavuk eti parçalarının ve kuru meyvelerin bir arada olduğu ve balla tatlandırılmış Ballı Mahmudiye yemeğini yapıyor Osmanlı mutfağından. Tadan izleyicilerse tavuklu aşure yediklerini söylüyor. Bu noktada Tarlabaşı'nın bir dönem Rumların, Ermenilerin oturduğu ve tatlı ile tuzlunun eşzamanda tecrübe edildiği bir semtken; 1980'lerde Doğu'dan Batı'ya göçle gelen kebabın, daha tuzlu ve ekşi bir mutfağı getirdiğine dair bir çıkarım yapıyor. İstanbul, sonra Amsterdam, Paris ve en son da Tel Aviv'de izleyiciyle buluşan Desire sergisini sanatçı detaylandırıyor: İçeriğindeki 20. yüzyıl liderlerinden bir seçkinin yemek yerken çekilmiş görüntülerinin ve yemekle ilintili hallerinin çizimlerinden oluşan bir sergiydi. Ek olarak bu liderlerin favori yemeklerini dönemin reçetelerine sadık kalarak uyguladım ve televizyonda rast gelebileceğiniz herhangi bir yemek programı formatında videoya dönüştürdüm. Tel Aviv'de gerçekleştirdiğim performansta ise liderlerden Kruşçev'in favori yemeği Borş Çorbası'nı pişirerek izleyiciye tadıma sundum. Ayrıca çizimleri, yemeklerin fotoğraflarını ve reçetelerini içeren, yemek kitabı formatında bir sanatçı kitabı yaptım. Ayvalık'ta yaşayan sanatçı, şimdilerde başka sanatçıların, şeflerin, aktivistlerin, düşünürlerin üretimlerine alan açacak bir atölye - mutfak ve restoran kurmayı planlıyor ve bunun üzerine çalışıyor. Bağlama ve mekana özel iş ürettiği için pratiğinde genellikle şehir hayatına odaklanan sanatçı Serra Tansel, son 14 yıldır Londra'da yaşıyor, ancak İstanbul'a sıklıkla seyahat ediyor. Sanatçı, İstanbul üzerine bir işi İstanbul'da üretmeye ve sergilemeye, Londra üzerine ürettiği bir işiyse Londra'da sunmaya özellikle dikkat ediyor. Böylece iki büyük kentte yaşama ve üretme; gündemini, sokak hayatını, politikasını takip edebilme; sistemsel benzerlikleri ve farklılıkları gözlemleyebilme fırsatlarını ve dünya düzeniyle ilgili daha geniş bir bakış açısını yakalayabiliyor. Gıda ve yemek kültürüyle alakalı olarak çalışmaya başlamasıysa, Londra'nın Vauxhall semtinde bir dönem yaşadığı evin büyük bir meyve-sebze haline yakın olmasıyla ilinti. Sabah 7'de, hal kapandıktan sonra insanların kalan artık ürünleri topladığını duymuştum. Bunun üzerine bir arkadaşımla gittiğimizde kasalarca taze meyve-sebzenin ortalıkta bırakıldığını gördük. Toptancıların miktar algısı farklı oluyor ve Londra kadar pahalı bir şehirde yer kısıtlı olduğu için depolama masraflarından dolayı satamadıklarını sokakta bırakmak bazen daha karlı oluyor. Londra'da da yoksulluğun her geçen gün derinleştiğinden bahseden sanatçı ekliyor: Yemek bankaları, ihtiyacı olan insanlara haftalık gıda sağlamaya çalışıyor. Devlet ve finansal düzenin yarattığı sistematik vahşetin insanları nasıl mağdur ettiğini bireysel hikayeler üzerinden anlatan, eski bir yemek bankası çalışanı Tara Osman tarafından yazılıp yönetilen Foodbank As It Is adlı tiyatro oyununu izledikten sonra, halde bulduğum artık yemekler ile bu gıda ihtiyacı arasında köprü kurmayı düşündüm. Super Mercato Canaletto başlığıyla bir yemek projesi kurgulayan Tansel, artık meyve-sebzelerle yemekler yaparak insanları açık büfeye davet ediyor. Katılımcılar yedikleri ve eve götürmek için aldıkları taze meyve-sebzelerin karşılığındaysa istedikleri kadar bağış bırakıyor. Sanatçı bu bağışları yemek bankalarına aktarıyor. Gıdanın pazar değerini korumanın ziyana dayalı olduğunu halde artıkları toplarken öğrendiğini anlatan sanatçı, diğer yandan yemeklerin sembolik değeri üzerine düşünüyor. Tansel, şimdilerde Pilot Galeri'deki Suyun Bildikleri başlıklı karma sergide yer alıyor.


Füsun Onur'un 2011 yılında Arter Koleksiyonu'na eklenen Opus II Fantasia (2001) adlı yerleştirmesi yeni bir mekansal düzenlemeyle Arter'deki galeri mekanına uyarlanarak Emre Baykal küratörlüğünde sergileniyor. Onur, ilk kez 2001 yılında Baden Baden'daki Staatliche Kunsthalle'de düzenlenen Aus der Ferne so nah adlı sergi için tasarladığı Opus II Fantasia'yı daha sonra Arter'deki Görünmezlik Taktikleri (2011) ve Neues Museum Nürnberg'deki Zamanın Kıyısında (Saum der Zeit, 2018) başlıklı grup sergileri için farklı düzenlemeler halinde mekana uyarlamıştı. Formu, mekanı, zamanı ve bunlar arasındaki ilişkileri sıradışı bir malzeme çeşitliliğiyle araştırırken gündelik, öyküsel, hatta otobiyografik öğeleri de devreye sokan Onur, müziğe farklı duyuların dahil olduğu bir süreç olarak yaklaşır. Sanatçının Çiçekli Kontrpuan (1982), Kadans (1995), Opus I (1999), Prelüd (2000), Noktürn (2001) ve diğer pek çok yapıtında olduğu gibi, doğrudan müziksel referanslar taşıyan bu yerleştirmesinde, dört sıradan nesne birbirleriyle etkileşime girerek mekana özgü bir kompozisyon kuruyorlar. Zemin üzerinde sırayla belirip birbirleriyle etkileşime geçen beyaz örgü şişleri, altın renkli ip yumakları, küçük porselen figürler ve standart müze kaidelerinin meydana getirdiği farklı formlar ve motifler, yer yer duraklamalar ve kreşendolarla çeşitlenerek çoğalırken, içinde yayıldıkları mekanı referans alıp onu yeniden düzenleyen görsel bir müzik oluşturuyorlar. Füsun Onur'un diğer pek çok yapıtında olduğu gibi doğrudan müziksel referanslar taşıyan bu yerleştirmede, sanatçı dört sıradan nesneyi müziğin mecrası ve unsurları olarak kullanıp, mekanı ve zamanı ritim ve varyasyonlar yoluyla yorumluyor. Opus II Fantasia, 20 Şubat 2022 tarihine kadar Arter'de görülebilir.


Pera Müzesi, Plastik Düşler Sahnesi ile fiziksele en yakın dijital etkinlik deneyimini sunuyor. Pera Müzesi, Plastik Düşler Sahnesi ile fiziksele en yakın dijital etkinlik deneyimini sunuyor. HYPERCORTEX işbirliği ve British Council desteğiyle hayata geçirilen ve 12 Mart'ta açılış partisiyle ziyarete açılan online müze, mekansal ses tasarımı, interaktif objeler ve katılımcılar arası etkileşim olanakları da sunuyor. Sanatı teknolojiyle harmanlayan etkinliklerin ikincisi 2 Nisan, üçünücü ise 7 Mayıs'ta gerçekleşecek. Sanal ortamda sergi gezmeye, tiyatro izlemeye; hatta buluşup kahve içmeye alıştığımız bugünlerde kabullendiğimi sanal deneyimi mükemmelleştirmenin yolunu arayan Pera Müzesi, keyifli performanslarla fiziksele yakın bir tecrübenin mümkün olduğunu kanıtlıyor. Görsel sanatlar ve müziği bir araya getiren serinin hedeflerinden bir diğeri de pandemi döneminden en çok etkilenenler arasında bulunan müzisyen ve görsel sanatçılara destek olmak.


Beeple'ı yaşayan en değerli sanatçılar arasına yerleştiren Everydays: The First 5000 Days eseri, sanatçının 13,5 yıl önce başladığı bir projenin ürünü. Bu süre zarfında her gün bir dijital eser üreten ve bunları sosyal medya hesabında yayınlayan Beeple, projenin ilk 5000 gününden bir seçkiyi bu eserde bir araya getirdi. Peki Beeple'ın daha önce de paylaştığı, bir tık ile bilgisayar ekranımıza kaydedebileceğimiz bu eserini Claude Monet'nin Nilüferler'inden ve Jeff Koons'un Balloon Dog 'ından daha yüksek fiyata satılmasına sebep olan ve hatta Salvador Dali'nin en pahalı eseri Portrait de Paul Eluard'dan yaklaşık iki kat değerli kılan ne? Bu soruların yanıtını bulmak için öncelikle, dijital varlıkları benzersiz ve değiştirilemez bir kodla sertifikalandırmaya yarayan non-fungible token'ların sanat dünyasına kattığı değeri anlamak gerekiyor, zira Christie's'deki rekor satışın arkasında yatan sebep bu. NFT'lerin sanat dünyasına kazandırdıklarını üç temel başlık altında topluyor: Orijinalliği ispatlaması, yeni platformlar sunması ve telif hakları. Blockchain teknolojisi üzerinden gerçekleşen işlemlerin, kalıcı kayıt özelliğiyle tartışmasız mülkiyet hakkını belirtmesinin ve sanat eserinin orijinalliğini ispatlamasının, sanat piyasası için oldukça önemli bir adım olduğunu ifade ediyor: Blockchain tabanlı kayıt sistemi sayesinde NFT'ler sanatta sahteciliğin önüne geçme imkanı sağladı. İkinci olarak, Nifty Gateway, SuperRare, OpenSea ve Foundation gibi platformlar sayesinde, fiziki mekanda sergilenmesi ve satışı zor olan dijital eserlerin ya da geleneksel galeri yapısının içinde sıklıkla yer bulamayan sanatçıların görünürlük kazanabileceğinden bahsediyor. Son ve belki de en önemli başlık altındaysa, sanatçıların akıllı sözleşmeler aracılığıyla eserlerinin ikinci el satışlarından yaklaşık yüzde 10'a tekabül eden telif haklarını koşulsuz şartsız alabileceklerini anlatıyor: Türkiye'de sanatçılar aslında zaten hukuki olarak 5846 sayılı Fikir ve Sanat Eserleri Kanunu kapsamında ikinci el satışlardan pay elde etme hakkına sahipler, ancak takibinin oldukça zor olması ve sistem tarafından bazen kasti olarak göz ardı edilmesi neticesinde çoğu zaman sanatçılar bu haklarını alamıyor. NFT'ler bu anlamda sanatçıları gözeten bir yapı sunduğu için bir dönüm noktası. Sözü bu kez teknolojik gelişmelerin üretime etkisini ilk elden deneyimleyen sanatçılardan birine, Hande Şekerciler'e veriyorum. Dijital çağdaş sanat ikilisi Ha:ar'da yer alan Hande, konvansiyonel heykel üretiminin yanı sıra yeni medya sanatıyla ilgileniyor. Ha:ar'ın yolu NFT ile, SuperRare'in kurucusuyla tanışıp platforma davet edilmesiyle kesişmiş. Şimdiye kadar dört eser drop eden ikilinin eserlerinin hepsi de iyi koleksiyonlara, fiziksel edisyonlarla neredeyse aynı fiyattan girmiş durumda. Platformun alternatif bir koleksiyoner grubuyla bir araya gelmelerine vesile olduğunu söyleyen Hande, Hatta eserlerimizi SuperRare'de görüp, NFT edisyonuyla beraber fiziksel edisyonunu alan koleksiyoner dahi oldu. Şu anda bir resmimiz, onun NFT'sine de sahip olan koleksiyonerin Venedik'teki evine doğru yola çıktı bile diyor. Bu durum, NFT tabanlı eserlerin geleneksel formları arkada bırakmak yerine onlarla iç içe geçebileceğine dair bir işaret gibi yorumlanabilir. Tüm bunların ışığında yazının açılışında bahsettiğim Christie's müzayedesine geri dönelim. Kripto topluluğu tarafından MetaKovan ismiyle tanınan iş insanı Vignesh Sundaresan'ın yatırımı, aslında sanat dünyasında bugüne kadar çok da etkili bir figür olmayan Beeple'ı bir anda günümüzün en çok konuşulanlarından biri haline getirdi. Kimliğini kısa süre önce açıklayan MetaKovan'ın çeşitli kanallarda yaptığı röportajlarda eserin sanatsal değerinden üstünkörü bahsedip maddi potansiyeline odaklanan açıklamalar yapması, yatırımın spekülatif doğasına işaret ediyor. Bu tip yüksek satış rakamları ve ani yükselişler maddi kazanç sağlamak isteyen bir topluluğu cezbederken bir kısmının da bu teknolojiden uzak durmasına sebep oluyor. Öte yandan NFT'lerin hem üretimi yapan sanatçılara hem de sanatseverlere sunduğu imkanlar şüphe götürmez. NFT'ye para ve zaman yatırımı yapmak ileri görüşlülük mü yoksa çılgınlık mı, süreç gösterecek. Emin olduğumuz tek şey ise NFT'lerin sanat gündemini uzun süre daha meşgul etmeye devam edeceği.


Vision Art Platform'un ArtweeksAkaretler'e paralel yeni karma sergisi Not Behind The Scenes, 10 Nisan 2022'ye kadar Akaretler No:35'te yer alan mekanında ziyaret edilebilir. Sahnenin önü ya da ardı değil; kenarı, kıyısı. Perdenin kıvrımları arasında, henüz gelmemiş bir şimdinin mekansallaştığı yer: Uç-bucak. Sesler söze dönmemiş. Salon karartılmamış. Oyuncu gülümseyecek mi yakaracak mı belli değil. Seyircinin üstüne gölgesi düşen, yarı saydam yüzeye dipten yansıyan, kıyıya vuran, eşikte incecik duran hallere bakıyoruz. Not Behind The Scenes bir mekan ve bir tavır tasvir ediyor. Kavramların kuytusuna sığınmadan akışta ve aralıkta durmayı önemseyen sanatçıları bir araya getiriyor. Hiçbiri bir diğerine benzemiyor fakat canlı ve serin olduğu kadar sert ve yıpratıcı olarak da duyulabilen tecrübelerden tanışık gibi görünüyorlar. İşleri mütevazı, akıl vermeye çalışmıyor, hayrete, dehşete ya da düşe de çağırmıyor. Kulis yapmıyor. İç ve dış arasında gerilmiş ince bir ip üstünde, dengesizliğini yitirmeden durabilmeyi deniyor. Belki de sanatçı, tüm sinirleri uyarılmış ve kasları yay gibi gerilmişken bile, hafif ve zarif kalabilmeyi bir ömür prova eden kişidir. Çağın yabancılığıyla perde arasında randevulaşıp, ışıkları kapatmadan sevişir.


Ocak ayı boyunca farklı şehirlerde ziyaret edebileceğiniz sergi ve etkinlikleri derledik. Yurtdışında yaşayan Türkiyeli seramik sanatçısı İpek Kotan'ın şu ana kadarki en büyük sergisi Boston'da sanatseverlerle buluşacak. Pucker Gallery'de yakında çıkacak olan In Search of the Perfect: Vessels başlıklı sergi 21 Ocak- 5 Mart tarihleri arasında ziyaret edilebilir. Fran Aniorte'un İstanbul'daki ilk çağdaş sergisi "Ritüel", 12 Ocak - 12 Şubat 2023 tarihleri arasında Polat Piyalepaşa'daki MERKUR'da sanatseverlerle buluşacak. Salt'ın Beyoğlu ve Galata yapılarında 12 Şubat'a kadar devam eden sergisi Sahnede 90'lar kapsamında iki sanatçı konuşması gerçekleşecek. 18 Ocak Çarşamba günü saat 19.00'da Salt Beyoğlu'ndaki Açık Sinema'da sanatçı Taner Ceylan ile tiyatrocu Murat İpek, Sahnede 90'lar kapsamında yeniden sunulan The Monte Carlo Style performansı üzerine söyleşecek. 21 Ocak Cumartesi günü ise saat 15.00'te ise sanatçı Moni Salim Özgilik, Ankara'dan New York'a uzanan sanat pratiği üzerine Salt'tan Sezin Romi ile söyleşecek. Murat Palta'nın Logarithmic Growth başlıklı kişisel sergisi 18 Şubat'a kadar x-ist'te sanatseverlerle buluşacak. Murat Palta, Logarithmic Growth sergisinde minyatür sanatı hakkındaki görüşlerden biri olan sahnelerin tanrının gözünden betimlenmesi düşüncesiyle kendini üçüncü tekil şahıs konumuna yerleştiriyor ve yaşadığımız gezegenle alakalı çıkarımlarda bulunuyor. Küratörlüğünü Daniel-Joseph MacArthur-Seal ve Gizem Tongo'nun, tasarımını PATTU'nun yaptığı Meşgul Şehir: İşgal İstanbul'unda Siyaset ve Gündelik Hayat, 1918 1923 sergi, resmi belgeler, güncel basın, tablolar, filmler, şarkılar ve fotoğraflardan oluşan bir dizi yazılı ve görsel malzemeyi bir araya getiriyor. Türkiye, Fransa, Birleşik Krallık, Yunanistan, Ermenistan, Rusya ve daha başka ülkelerden toplanan bu dokümanların çoğu ilk defa sergileniyor. Suna ve İnan Kıraç Vakfı İstanbul Araştırmaları Enstitüsü'nün yeni sergisi, 11 Ocak'ta kapılarını açtı. Yıl sonuna kadar ziyaretçilerini ağırlamaya devam edecek. Hayal İncedoğan'ın, Ekrem Yalçındağ küratörlüğünde gerçekleşecek 'Yalnızlık Çağı Vol.I isimli kişisel sergisi Anna Laudel Düsseldorf'ta kapılarını açacak. Sanatçının Almanya'daki ilk solo sergisi, sanatçının tuval resimlerinden sesli videolara, neon yerleştirmelerden cam ve ayna işlere kadar farklı tekniklerden eserlerini bir araya getiriyor. Sergi, 19 Ocak 10 Mart 2023 tarihleri arasında ziyaret edilebilir.


Amsterdam'da yer alan Van Gogh Müzesi, 50. yılını kutlamak için Pokemon ile işbirliğine girerek doğum gününü, ses getiren bir kutlamaya dönüştürdü. Pokemon'ların sevilen dünyası bu sergide birer Van Gogh tablosuna dönüşürken serinin popüler karakterlerinden bazıları Hollandalı sanatçının en ünlü tablolarında hayat buluyor. Gri keçe şapkalı Pikachu, Van Gogh'un yatak odasında uzanmış Snorlax, bir buket ayçiçeğinin içinden bakan Sunflora gibi ilginç yeni sanat eserleri müzede yer alıyor. Pokemon bir Japon popüler kültür simgesi olurken popüler kültürde uzun bir süredir varlığını korurken Vincent van Gogh için Japon baskıları her zaman önemli bir ilham kaynağı olmuştu. Güçlü renklerden oluşan düzlemlerin kullanımı, gündelik konular ve doğadaki detaylara verilen önem ona ilham verdi. Sergi, gençlerin Van Gogh ile Japonya arasındaki bağlantıyı ve ilhamın nasıl iki yöne gidebileceğini öğrenmesini de sağlanıyor. Pokemon karakterlerinin yer aldığı sergi, 7 Ocak 2024'e kadar Van Gogh Müzesi'nde olacak.


Ressam Lütfiye Kösten'in Geçmişten Gelen adlı son sergisinde, sanatçının izleyiciyi etkisi altına alan detaylı gözlere sahip portrelerine bakıyoruz. Çalışmalarında zaman, mekan, kimlik ve varlık kavramları üzerine odaklanan ressam Lütfiye Kösten, gözlerin ön planda olduğu portre resimler yapıyor. Her portresinde ayrı bir hikaye anlatan, bunu yaparken farklı ifade ve motiflerden yararlanan sanatçı, özellikle gözleri betimlerken oldukça detaylı ve gerçekçi bir üslup kullanıyor. Bakışlarından kaçamadığınız bu portreler, izleyiciyi gözleriyle nereye giderse gitsin takip ediyor; kalbin aynası gözler, ifadenin ve duygunun en çok yoğunlaştığı alanlara dönüşüyor. Sanatçının Türk süsleme sanatında karşılaştığımız motifler, semboller ve mitlerden de yararlandığı portelerden oluşan yeni sergisi Geçmişten Gelen, Emirgan'daki Şule Gazioğlu Art & Design'da 8 Mayıs tarihine kadar ziyaret edilebilir. 7 Nisan'daki açılıştan hemen önce Lütfiye Köstem ile bir araya gelerek sergi hakkında konuştuk. Geçmişten Gelen, aslında içinde çok şey barındırıyor benim için. Tarihin içinde sakladığı semboller, simgeler, motifler, mitler ve öyküler... Bunların hayatta anlam bulmuş halleri ve elbette kadınlar. Geçmişin ince bir ruhu varmış diye düşünüyorum. Güzel olan her şeyin sadeleştirilip tılsımlaştırılması, öykülendirilmesi ve bunların hayatın içinde kullanılması beni her zaman çok etkiledi. Geçmişten gelen, bir bakıma da kültürümüzde her zaman olan fakat unutmaya başladığımız bir gizli özne... Resimlediğim portreler bazen hayali, bazen tarihten ya da bir romandan, bazen de hayatın içinde etkilendiğim gerçek insanların portrelerinden oluşuyor. Ben üniversite yıllarından beri portre çiziyorum. İlk kendi portrelerimle başladım. Sonrasında da çevremdeki insanların portrelerini yapmaya yöneldim. O dönem yaptığım portreler realist bir anlatım içindeydi tabii ki. Zaman içerisinde farklılaştı. Yüzler ve ifadeler beni her zaman çok etkiledi, özellikle de gözlerdeki anlam. Benim için gözlerin portrelere kattığı anlam çok önemlidir. Bakışlar benim resimlerimde en önemli unsur, ifadenin ve duygunun yoğunlaştığı, resmin merkez noktasıdır. Belli bir zaman sonra takıntı haline geliyor sanırım. Gözleri yapmaktan kaçamıyorum, tıpkı portre yapmaktan uzaklaşamadığım gibi. Portre yapmak bir tutku oldu sanırım. Her yüz ayrı bir hikaye ve bu durum beni çok heyecanlandırıyor. Fotoğrafın resimlerime yansıması oldu diye düşünüyorum. Özellikle fotograftaki ışık ve gerçekçi durum, görüntülere daha üç boyutlu ve sadeleştirerek bakmamı sağladı. Çizimlerimde en yalın hali aramaya başladım. Resim tarihinden favoriniz portre ressamlarını ve eserleri de duymak isteriz. Johannes Vermeer'in The Girl With A Pearl Earring ve Diego Velazquez A Young Lady en sevdiğim portreler arasında. Bunların yanı sıra Albert Dürer, Kathe Kollwitz, Kiki Smith, Anselm Kiefer, Zhang Xiaogang, Claire Tabouret, Luc Tuymans, Zeng Fanzhi, Jenny Saville, Kehinde Wiley, Elizabeth Peyton, Louis Boudreault, Sarah Ball, Takao Ono, takip ettiğim favori ressamlardan. Bu motifler eskiye, mitlere, tarihe olan ilgimle başladı. Geçmişi araştırırken Anadolu, Osmanlı, Mezopotamya motifleri, anlamları, mitoslari beni çok etkiledi. Yaptığım resimlerde bu motifleri, sembolleri kullanmaya başladım. Her motifin benim için ayrı bir anlamı oldu. Bazen bunları resimlerime aktardım, bazen de bu sembollerin mitosları resimlerimin konusunu belirledi. Bu sergide çintemani motifini çok kullandım: Bereket, koruyuculuk, güç gibi kavramları temsil eden bu motif hem sembol olarak hem de tılsım özelliğiyle beni çok etkiledi. Gerçi son zamanlarda bitki mitosları ve böcek mitosları üzerine de okumalar yapıyorum. Resimlerimde portrelerle beraber bitki ve böcekleri stilize ederek kullanıyorum.


2001'de Oscar'larda Bjork'un giydiği çok konuşulan kuğu elbise, bu yılkı Brit Ödülleri'nde Sam Smith'in üç boyutlu lateks kostümü ve Harry Styles'ın işlemeli pantolonu Londra'daki Tasarım Müzesi'nde sergilenen başyapıtlardan yalnızca birkaçı. İngiliz Moda Konseyi ile işbirliği içinde düzenlen Rebel: 30 Years of London Fashion sergisi moda sahnesinde sesini duyurmak isteyen coşkulu, asi ve radikal tasarımları bir araya getirecek genç tasarımcıların hikayelerini ortaya çıkarıyor. Öte yandan sergi aynı zamanda İngiliz Moda Konseyi'nin, gelişen en iyi moda tasarımcısını destekleyen bir girişim olan Newgen programının da kutlaması niteliğinde. Birçoğu Birleşik Krallık merkezli tasarımcıların kariyerlerini başlatan ilk koleksiyonları kapsayan 100'e yakın görünüm sergileniyor. Sergide JW Anderson, Wales Bonner, Erdem, Christopher Kane, Simone Rocha ve Russell Sage'in koleksiyonları ve çalışmaları da yer alıyor. Eserler arasında tasarımcıların filmleri, çizimleri, hatıra eşyaları ve daha önce hiç görülmemiş arşiv malzemeleri bulunuyor. Rebel: 30 Years of London Fashion 11 Şubat 2024'e kadar Tasarım Müzesi'nde sergilenecek.


Çeşitli malzemeler ile imzası haline gelmiş çok renkli eserler üreten Rachel Hayes, mekana özgü açık hava enstelasyonu ile ISTANBUL'74 ev sahipliğinde 16. Contemporary Istanbul Sanat Fuarı'nda. Sanatçı ile sohbetteyiz. Dünyanın dört biryanından sanatçıların bir araya geldiği etkinlik, 7-10 Ekim tarihleri arasında Tersane İstanbul'da gerçekleşecek. Contemporary Istanbul'un 16. edisyonunda yer alan ISTANBUL'74, Amerikalı sanatçı Rachel Hayes'in mekana özgü kurguladığı ve büyük ölçekli kumaşlar kullanarak yarattığı renkli enstalasyonunu açık havada sergileyecek. Formları ve geometrik desenleri, mevcut mimari ve çevre unsurlarıyla iç içe geçerken, izleyicileri eserler ile etkileşime geçmeye davet eden sanatçıyla sohbetteyiz. Amerikalıyım. Bir süre New Mexico ve New York'ta yaşadıktan sonra, bir sanatçı ikamet programına katılmak için Midwest'e döndüm. Şu anda Tulsa, Oklahoma'da yaşıyorum. Eşim de bir ressam, büyük endüstriyel bir depoyu stüdyo olarak beraber kullanıyoruz. 7 ve 11 yaşında iki çocuğumuz var. Onlar okuldayken de iki büyük köpeğimiz bize eşlik ediyor. Genel olarak bunları söyleyebilirim. Sanatın, görsel olarak dikkat çekici, fiziksel olarak dokunsal ve duygusal olarak canlandırıcı, en hareketli yerlerde bile beklenmedik deneyimler için bir fırsat sunduğuna inanıyorum. Mekana özel kurulumlarım, herhangi bir ortamla uyum içinde çalışarak, yoruma açık güzelliği, merakı, inceliği ve gücü ortaya çıkarıyor. Renk, ölçek ve doku da her zaman oyunun bir parçası. Aydınlık ve karanlık, parlak ve ince, şeffaf ve opak arasında bir denge bulmaya çalışıyorum. Çeşitli ortamlara uyarlanabilen kompozisyonlar yaratmaya çalışmanın zorluklarından zevk alıyorum. Geniş açık gökyüzü, gün batımları ve gökyüzünün ve dünyanın birleştiği yerin ufuk çizgisini görmek. Koyu çelik mimari armatürün ölçeği çok cesur ve lineer, bu yüzden kalın ve lineer bir çalışma grubu seçtim. Bu mimari, etkileyici yükseklik ve dinamik açılar dahil olmak üzere birçok fırsata sahip. Ona bakarken gökyüzünde bir şekille kesildiğini görüyoruz. Yapının ciddiyeti, yaptığım dalgalı panolardan bir anekdot içeriyor. Çalışmamın bu armatürün tüm özelliklerini öne çıkardığını ve içindeki armonileri yansıttığını düşünüyorum. İlk önce kurulumun rengi ve ölçeğinden etkileneceklerini düşünüyorum. O zaman umarım ışığın kumaşla nasıl etkileştiğini, aynı anda gölgeler ve parlak yüzeyler oluşturduğunu da fark ederler. Renk insanlarda duygusal bir tepki uyandırabilir ve belki de bazı ziyaretçiler işime derinden, öznel bir tepki verebilir. Öncelikle kendileri için benzersiz anlar yakalayabileceklerini söyleyebilirim çünkü gökyüzü ve ışık günün 24 saati değişiyor, her bir an eşsiz. Bunun yanı sıra rüzgarın da tam anlamıyla bir işbirlikçi olduğunu söyleyebilirim; resmen çalışmaya hayat veriyor. Güneş gökyüzünde hareket ettikçe ve rüzgarlar sakinden daha esintili hale geldikçe iş anbean değişecek. Kısacası, çalışma da çevreye tepki verecek ve her seferinde farklı şekilde deneyimlenebilecek. Gerçekten heyecan verici olduğunu düşünüyorum. Moda sayesinde beden, desenlere ve dokulara hayat ve hacim kazandırıyor. Sanatımla ve mimariye verdiğim tepkiyle birlikte doğal unsurlar ve çevredeki ortamlar da formun yaratılmasına yardımcı oluyor, bedenlerimiz de buna tepki gösteriyor. Sanat, moda ve mimari daha ne kadar benzer olabilir! Tüm parçaları kendim dikiyorum. Farklı yapım yöntemleri ve renk kombinasyonları, dünya çapında farklı şekillerde görülüyor ama ortak bir tepki alıyor. Ortamların bu şekildeki çarpışması, samimiyet, coşku ve ihtişam, şık bir hava veriyor ve sanırım hepimiz bu tür bir güzelliğin sunabileceği akışa ilgi duyuyoruz. Contemporary Istanbul'dan Demet Müftüoğlu-Eşeli ve ISTANBUL'74 ekibiyle tanıştıktan sonra haberdar oldum. Burada olanlardan büyülenmişken, şimdi de işin bir parçasıyım. Küratörlüğünü Demet'in yaptığı işlerimden derlenen bir seçki, bu tarihi tersanenin yanında, suya yakın, çevredeki binaların güzel manzarası ve her yerde İstanbul'un zengin tarihi ile yan yana. Çalışmalarımı bu bağlamda, böyle bir ortamda gördüğüm için çok şanslıyım. Aynı şekilde İSTANBUL'74 ile çalışmak da benim için büyük bir şans. Dünyanın her yerinden sanatçılar ve galerilerle tanışabildim. Tüm bu deneyimleri evime, stüdyoma taşımak için elimden geldiğince her şeyi özümsemeye çalışıyorum.


Evin Sanat Galerisi 10 Mart 9 Nisan 2022 tarihleri arasında Cansen Ercan'ın kişisel sergisine ev sahipliği yapacak. Resme yaklaşımını, Bir ressamın gözlemlerini biriktirme biçimi diğerlerinden farklıdır; ayıklayarak, ekleyerek, çoğaltarak, yeniden düzenleyerek biriktirir ve bir malzeme haline getirir. Bu birikim resimsel, plastik unsurların çevrelediği yüzey üzerinde resim halini alır. Bütün hesaplaşmam bahsettiğim bu resimsellik içinde ortaya koyduğum problemlerde ve o problemleri çözerken sunduğum önermelerdedir. Bu anlamda malzeme dile hizmet eder. Plastik değerlerin dışında edebiyata, şiire temel oluşturabilecek unsurları benim işlerimde aramak yanlış olur. Tercihim, izleyiciyle resmin kendi elemanları ve plastik değerler üzerinden ilişki kurulmasından yanadır. cümleleriyle açıklayan sanatçı, yeni çalışmalarıyla sanatseverlerle buluşuyor. Sanatçının peyzajlarının, portrelerinin yanı sıra figürlü kompozisyonlarının da yer aldığı sergisinde kullandığı gri skala, dilinin önemli bir unsuru olarak görülüyor. Ercan, konuyu resme bahane etmesi ve nesneyi görmezden gelmek yerine resmin diğer unsurlarının içinde sindirip kurduğu düzene işlevsellendirmesiyle biliniyor. 9 Nisan'a kadar ziyaret edilebilecek sergide sanatçının yeni çalışmaları da yer alacak.


Louvre Abu Dhabi ve Richard Mille çağdaş sanat sergisi Louvre Abu Dhabi Art Here 2023 ve Richard Mille Sanat Ödülü'nün üçüncü yılı için özel bir jüri oluşturdu. Etkinlik, iki girişimin bölge sanatçılarının yeteneklerini ve kabiliyetlerini sergileyebilecekleri bir platform sunarak bölgenin yeni yeşeren sanat ve kültür ekosistemine destek olmayı hedefliyor. Sanatın birçok alanını temsil eden Louvre Abu Dhabi Art Here 2023'ün jürileri arasında uzman arkeolog ve sanat tarihçisi Guilhem Andre, British Museum hamili Şeyh Zayed bin Sultan Al Nahayan, Fransa'daki Musee du Louvre'da İslam Sanatları Departmanı Direktörü Dr. Souraya Noujaim jüride yer alacak isimler arasında. Louvre Abu Dhabi Direktörü Manuel Rabate, Arap dünyasının ilk evrensel müzesi olan Louvre Abu Dhabi bölgenin sanat ve kültür ekosisteminin gelişimini ve büyümesini desteklemek için fırsatları tespit etmek üzere sürekli bir çaba içerisinde" açıklamasında bulunuyor. Bunlara ek olarak sanatçılar Louvre Abu Dhabi Art Here 2023 and Richard Mille Art Prize için başvurularını 3 Temmuz 2023'e kadar gönderebilirler.


Kalite, el işçiliği ve estetiği aynı çatında altında toplayan Richard Mille, hevesli bir sanat destekçisi olmaya devam ediyor.Üstelik rotasında bu kez İstanbul da var. Kusursuz kaliteli, derin el işçiliği ve göz alıcı bir estetiği aynı çatı altında toplayan Richard Mille, hevesli bir sanat destekçisi olmaya devam ediyor. Marka, çağdaş sanatın merceğinden sanatın sınırlarını yeniden tanımlayan düşündürücü sergiler ve ilgi çekici etkinliklerle yerel ve bölgesel sanat topluluklarının potansiyelini geliştirmek için bir kez daha görev başında. Richard Mille Sanat Ödülü ikinci yılına girerken marka Louvre Abu Dhabi ile ortaklaşa Louvre Abu Dhabi Art Here 2022 sergisini Mart 2023'e kadar uzattı. Richard Mille Sanat Ödülü'nün son edisyonunun başarısı, daha fazla sayıda sanat meraklısının Louvre Abu Dhabi Forumu'nda 10 finalistin sanat eserlerini ön izlemesine de olanak veriyor. Richard Mille Artbook serisinin ilk baskısı olan Art in the Gulf, aynı zamanda Louvre Abu Dhabi'de yer alıyor ve prestijli sanat müzesi ile Richard Mille markası arasındaki bağı derinleştiriyor. GCC'nin gelişen sanat ortamına eşi görülmemiş bir keşif sunan sınırlı sayıda, iki dilli sehpa kitabı, müzenin hediyelik eşya dükkanlarında ve Richard Mille butiklerinde sergilenecek. Marka, kitap ve içinde barındırdığı sanatçıları kutlamak için Riyad'da öncü bir sanat sergisi olan Faisal Alkheriji ile Körfezde Sanat, Richard Mille Sürükleyici Sergi ile sanat kitabının ortaya koyduğu ivme üzerine inşa etti. Suudi Arabistan'da türünün ilk örneği olan etkileşimli bir sanat gösterisi ve sürükleyici sergi, Suudi sanatçı Faisal Alkheriji'nin eserlerini Yapay Zeka ve Leap Motion teknolojisinin birleşimiyle hayata geçirdi. Körfezde Sanat: Bir Richard Mille Artbook'un açılışının bir parçası olarak, kitapta yer alan Suudi kübist sanatçı Alkheriji, vizyoner bakış açısı ve güçlendirici kültürel anlatımı nedeniyle Richard Mille tarafından özel olarak seçildi. Richard Mille imzalı saatler, geleneksel saatçilik sanatında devrim yarattıkları için efsanevi bir statü kazanmasıyla bilinir. Bu yaklaşımı Alkheriji'nin resimlerine tercüme eden deneyim, her ziyaretçiyi Alkheriji'nin sanat eserlerinin ortak yaratıcısına dönüştüren yeni bir sanat formu geliştirmek için çığır açan bir teknoloji kullandı. 8-10 Aralık tarihleri arasında Riyad'ın Jax Bölgesi'ndeki HiaHub'da sanat ve yeniliğin zirvesinde gerçekleştirilen sergi, izleyiciler ve sanat eserleri arasındaki etkileşimler aracılığıyla çok önemli diyalogları ateşleyen, sınırsız olanaklara sahip bir mekan küratörlüğünü yaptı. Daha fazla sanatsevere ulaşan ve çağdaş sanatçılara ışık tutma misyonunu genişleten Richard Mille, lüks saat ve çağdaş sanatta dünyanın önde gelen otoritesi ve önde gelen müzayede evi Christie's ile İstanbul'da hayırsever bir sanat müzayedesi olan ArtSahne'ye ev sahipliği yapmak için iş birliği yaptı. 1455 yılında inşa edilen ve dünyanın en eski tersanelerinden biri olarak kabul edilen tarihi Osmanlı Tersane İstanbul Tersane'de gerçekleşen etkinlik, şehrin sanat koleksiyonerlerini, önde gelen Türk çağdaş sanatçılarını, küratörlerini ve Richard Mille müşterilerini en önemlilerinden bazılarını kutlamaya adanmış bir akşam için bir araya getirdi. ArtSahne Richard Mille x Christie's Edit, hem Richard Mille'e hem de Christie's'in sanatsal mükemmellik ve seçkinliğe yakınlığı olan müşterilerine hitap etmek üzere tasarlandı. Gece için müzayede için toplam altı sanat eseri seçildi. Bunların beşinin küratörlüğünü Christie's yaptı ve bir tabloyu Richard Mille hediye etti. Richard Mille, bu müzayedede satılan son sanat eseri olarak, Körfezde Sanat: Bir Richard Mille Sanat Kitabı'nın kapağı için yaptırdığı tabloyu geri getirmeyi seçti. Ayrıca 12 Aralık'ta 80 uzmanın katılımıyla gerçekleşen ArtSahne Richard Mille x Christie's Müzayedesi, kendini sinir sistemi yaralanmaları için çığır açan tedaviler geliştirmeye adamış uluslararası bir bilimsel ve tıbbi araştırma merkezi olan Paris Beyin Enstitüsü'nün yararına yüksek bağışlar da topladı.


Eski vampir yeni Batman Robert Pattinson, bu kez beyazperde hazırlıklarını kenara bırakarak Sotheby's ile sanatsal bir yolculuğa çıkıyor. Robert Pattinson'ın oyunculuk kariyerini ne kadar başarılı bir şekilde inşa ettiğinden pek de söz etmeye gerek yok aslında. İlk büyük çıkışını Twilight ile yapmış olsa da, zaman içinde festivallerde yarışan pek çok yapımda yer alarak hünerlerini gösteren Pattinson, son olarak nasıl hayat vereceği merakla beklenen Batman performansıyla da tam not almıştı. Onun için sırada elbette yepyeni filmler var ancak araya yeni bir tecrübe sıkıştırmayı da ihmal etmiyor. Bu kez Sotheby's sanat küratörü olarak karşımıza çıkan aktör, Contemporary Curated serisi için bu rolü üstleniyor. Daha önce Oprah Winfrey, Steve Aoki, Ellie Goulding ve Kim Jones gibi isimler bu kapsamda görev alırken, Pattinson'ın seçtiği sanatçılar arasında ise Willem de Kooning, Richard Serra ve Genieve Figgis var. Çağdaş sanat müzayedesinde 23-29 Eylül tarihleri arasında sergilenecek altı eser yer alacak ve müzayede 30 Eylül'de yapılacak.


Bahar aylarının gelmesiyle kültür sanat dünyasındaki hareketlilik de artmaya başlıyor. Yapı Kredi Kültür Sanat Yayıncılık ve Özel Saint Benoit Fransız Lisesi arasında Ruhların İletişimi: Proust ve Müzik etkinliğiyle başlayan işbirliği, Romain Rolland'ın Yapıtından: Jean-Christophe ve Beethoven konseriyle devam edecek. Fransız yazar Romain Rolland'ın başyapıtı Jean-Christophe, Avrupa'da ırmak roman geleneğinin öncülü kabul edilir. Araştırmacılar, Rolland'ın, romanın başkahramanı Alman besteci Jean-Christophe Krafft'ın yaşamını anlatırken büyük hayranlık duyduğu Beethoven'ın yaşamından kesitlere yer verdiğini düşünmektedirler. Adnan Cemgil'in çevirisiyle YKY tarafından yayımlanan Jean-Christophe'tan yola çıkan programda devlet sanatçısı piyanist Gülsin Onay, romanda ve Rolland'ın hayatında önemli yeri olan Beethoven bestelerini yorumlayacak. Konser öncesinde felsefeci, yazar ve çevirmen Nami Başer, Rolland'ın yapıtında Beethoven'ın yerini anlatacak. Frankofoni Festivali kapsamında erişime açılacak söyleşi ve konser, Yapı Kredi Kültür Sanat Yayıncılık ve Özel Saint Benoit Fransız Lisesi'nin Youtube kanalları üzerinden yayınlanacak.


Levent'te Muse Contemporary Galerisi'nde, Ayşe Pınar Akalın küratörlüğünde birçok sanatçı Aykırı başlıklı bir sergiyle bir araya geldi. Canan Savaş'tan Reka Nyari'ye, Mehmet Sinan Kuran'dan Rahşan Düren'e kadar birçok sanatçının üretimlerinin yer aldığı sergi, Kasım ayının sonuna kadar ziyaret edilebilecek. Sergiyi sanatçı Canan Savaş'tan dinledik. Levent'te Muse Contemporary Galerisi'nde, Ayşe Pınar Akalın küratörlüğünde birçok sanatçı Aykırı başlıklı bir sergiyle bir araya geldi. Canan Savaş'tan Reka Nyari'ye, Mehmet Sinan Kuran'dan Rahşan Düren'e kadar birçok sanatçının üretimlerinin yer aldığı sergi, Kasım ayının sonuna kadar ziyaret edilebilecek. Aykırılık durumu hayatın içinde her ne kadar olumsuzluk bulutu gibi algılansa da, içinde barındırdığı cesaret duygusuyla eşsiz sonuçlara ulaşılabildiğine inanıyorum diyen sanatçı Canan Savaş ile sergiyi konuştuk. Marmara Güzel Sanatlar Akademisi Resim Bölümü Değerli Hocalarım Hüsamettin Koçan ve Ergin İnan Atölyeleri mezunuyum. Bunun yanında Tayfun Erdoğmuş Gravür Atölyesi ve Cam Atölyelerinde eğitim aldım. Çalışmalarımın temel motivasyonunu insan, insan doğası ve davranışları oluşturmakta. Buradan yola çıkarak ana materyalim olan ahşap ile minimal bir düzen içerisinde doku ve renk ile bir kurgulama yapıyorum. Benim çalışmalarımda çok yerini bulduğunu düşündüğüm bir kelime 'aykırı.' Ana materyalim olan ahşap ile olan bağım burada en çok öne çıkan fiziki durum ve duygu. Ahşap, duruşu, dokusu ve onlarca yıl canlı kalabilme özelliği ile hükmedilmesi zor bir malzeme. Bir iş yaparken ben değil biz oluyoruz. Ahşap benim üzerine koyduğumu koruduğu gibi bazen de kendi karakterini ortaya çıkartıp başka bir şekle dönüştürebiliyor. Buna Aykırı sergisinde öne çıkararak kullandığım, kendi doğası gereği yapısında aykırılık barındıran ve benim tüm işlerimde kullandığım diğer temel materyalim Joss Paper da eklenince anlatmak istediklerime çok belirsiz ama kararlı bir yol ile ulaşıyorum. Ve sonuç beni her zaman mutlu ediyor. Bu aykırılık durumu hayatın içinde her ne kadar olumsuzluk bulutu gibi algılansa da, içinde barındırdığı cesaret duygusuyla eşsiz sonuçlara ulaşılabildiğine inanıyorum. Akademideyken Hocam Hüsamettin Koçan, her zaman eskiz defteriniz yanınızda olsun derdi. Bütün eskiz defterlerimi sakladım; o zamandan beri olan işlerimin zaman içerinde nereden ne yollara gittiğini görmek beni için önemli. Mutlaka ne yapacağımı, kullanacağım renkleri, ne boyutta yapacağımı daha önceden kurgularım. Hazırlıklarımı yaparım, eskiz defterimde çalışırım, ama yola çıktıktan sonra bahsettiğim unsurlarla kurgum her zaman örtüşmüyor ve bazen sonuç istemediğim şekle dönüşebiliyor ve ben o yoldan gidebiliyorum. Orada başlayan mücadele beni en çok besleyen duygu aslında. Sonuçta benim ulaşmak istediğime eklenen bir çok duyguyu barındırıyor. İzleyiciye işlerimle ilgili hiçbir yönlendirmede bulunmam. Bu çok üstten bakan, benim yapımla örtüşmeyen bir duygu biçimi. İzleyici benim işlerime baktığında, ben de onları izliyorum. Benim için onların ne düşündüğü ve işlerim hakkında ne hissettikleri önemli. Benim ne düşündüğümü hangi duygulardan yola çıkıp işimi meydana getirdiğimi ancak ben anlattığım zaman ya da konseptimi okuduklarında anlayabilirler. Bir önceki sergimizde bir araya geldiğimiz sanatçılara eklenen yerli ve yabancı farklı disiplinlerde çalışan üreten bir çok sanatçıyla Aykırı sergisinde olmanın son iki senedir içinde bulunduğumuz evrensel duraklama döneminde çok umut verici olduğunu düşünüyorum. Beni ve yeni üretimleri motive eden bir adım oldu. Bu duruma Ayşe Pınar Akalın'ın sanatsal birikimi, vizyonerliği ve sanatçılarla birebir yakınlıkta iletişimi eklendiğinde ortaya çıkan samimiyet, çalışma isteğini de artırıyor ve motive edici oluyor. 29 Ekim de başlayacak olan Kültür Bakanlığı Beyoğlu Kültür Yolu projesi kapsamında Sanatçı Atölyesi etkinliğine Muse Contemporary Galeri ile katılacağım. Ayrıca yine Muse Contemporary Galeri ile Ocak ayında bir sergimiz olacak.


Sabato De Sarno, Gucci'nin kreatif direktörlüğünü üstlenmesinin ardından cesaret gerektiren hamlelere devam ediyor. İlk olarak Şanghay'da sergilenen Gucci Cosmos gezici sergisinin Londra ayağı için tasarımcı yeni dokunuşlar katıyor. Çağdaş sanatçı Es Devlin tarafından tasarlanan ve İtalyan moda eleştirmeni ve teorisyeni Maria Luisa Frisa'nın küratörlüğünü üstlendiği sergi, markanın arşivlerinden 102 yıllık zanaatkarlık hikayesini anlatan görüntüler, nesneler ve illüstrasyon seçkileri sunuyor. Sergi içindeki odalar, Gucci'yi bilinen bir isim haline getiren önemli dönüm noktalarını ele alırken markanın renkli arşivini ve Floransa köklerini her köşedeki ince detaylarda hissettiriyor. Londra versiyonu, Sarno tarafından düşünülen iki yeni odayı içeriyor. Gucci Cosmos'un başlangıç noktası The Savoy, Gucci'nin 1921'de bavul taşıyıcısı olarak çalıştığı yeri temsil ediyor. Hatta Gucci'ye zanaatkar bavul atölyesi kurmaya iham veren yer olarak biliniyor. Ardından Portals ziyaretçilerin 19. yüzyıl atmosferinden modern güne dönüş yaptığı minimalist bir alan sunuyor. Bir sonraki kısım olan Zoetrope ise Gucci'nin ilham kaynağı olan atlara gönderme yapıyor. Öte yandan Eden odasında Flora deseninin Gucci tarihine olan ilhamını yansıtan heykeller yer alıyor. Uniseks modanın evrimi ise serginin Two bölümünde ortaya çıkıyor. Ardından Archivio bölümünde Gucci'nin Bamboo, Jackie, Horsebit, Diana gibi ikonik çantalarının kökenleri ve evrimlerini anlatan bir dünya izleyicileri karşılıyor. Cabinet of Wonders'tan ilham alan bölümde ise çeşitli dönemlerden farklı tasarımlar ve aksesuarlar yer alıyor.Bir diğer yandan Carousel bölümünde geçmişten günümüze Gucci mankenlerinin döndüğü bir sergi yer alıyor. Ardından sergi, Sabato De Sarno'nun ilk koleksiyonundan ilham alan Gucci Ancora odasıyla son buluyor. Gucci Cosmos, Londra'daki 180 Studios'ta açıldı ve 31 Aralık 2023'e kadar devam edecek.


Gucci prospektif kitap serisi, kreatif Direktör Sabato De Sarno'nun hayallerinin peşinden koşmaya olan bağlılığını yansıtırken sanat ve moda arasındaki diyaloğa vurgu yapıyor. Kitapta yayınlanan eserler, Gucci'nin her koleksiyonuna eşlik ediyor. Luigi Pecci Çağdaş Sanat Merkezi'nin direktörü ve Roma Quadriennale'nin eski küratörü Stefano Collicelli Cagol, Gucci Prospettive n.1, Milano Ancor kitap serisi, Gucci'nin Sarno'yla olan yeni başlangıcının vizyonunu yorumladı. Bu kitap serisi markanın Milano'ya bir aşk mektubudur. İçerisindeki sanat eserlerinin yolları edebiyatla, müzikle, sinemayla, modayla ve tarihle kesişirken şehrin kültürel ve sanatsal geçmişi savaş sonrası dönemden günümüze kadar olan kesitlerle anlatılıyor. Sürekli bir röle halinde katılan sanatçılar, Milano'yu güzellik ve şehvet dolu bir yer olarak anlatırken geleneksel anlatıların ötesinde yeni alanlar ve yeni benlikler hayal etmeye teşvik ediyor. Cristiano Rizzo, Martino Santori, Noura Tafeche ve Valerio Eliogabalo Torrisi'nin eserleri, Sabato De Sarno tarafından Accademia di Brera'nın yeni mezunları arasından işbirliğiyle seçildi. Kitap serisine dahil edilen eserler, Via Fiori Chiari 5 geçici sanat galerisinde 19-23 Eylül tarihleri arasında halka açık olarak sunulacak.


SAHA, 2011 yılından beri 400'den fazla sanatçı, küratör, yazar ve sanat inisiyatifinin projesine, 39 ülkede kar amacı gütmeyen 170 sanat kurumunda destek oldu. Beyoğlu'nda 2019 yılında kurulan SAHA Studio ise katılımcılarına SAHA'nın yurtiçi ve yurtdışındaki ortaklıklarının da katkısıyla diyalog, işbirliği ve birlikte öğrenme olanakları sunuyor. Davetli sanatçılara uzun süreli atölye ve ortak çalışma mekanı ile projeleri için araştırma ve eser üretim fonu sağlayan SAHA, grup içi ve birebir danışma ve geribildirim toplantılarıyla sanatçıların araştırma, üretim, sunum ve sergileme süreçlerine yardımcı oluyor. SAHA Studio, sadece Türkiye'nin farklı kentlerinden görsel sanatçıları değil, yurtdışından yazar ve küratörleri de ağırlayarak İstanbul sanat ortamıyla etkileşim içinde araştırmalarını geliştirmelerini sağlıyor. SAHA Studio'nun üçüncü döneminde, ARTWORKS işbirliğiyle Yunanistan'dan gelen küratör Eva Vaslamatzi, Mayıs-Haziran aylarında SAHA Studio bünyesinde yaptığı araştırmayı sonbaharda Atina'da düzenlediği sergiye Türkiye'den üç sanatçı davet ederek tamamlıyor. SAHA Studio'nun misafir yazarı Murat Alat ise yıl boyunca SAHA Yazı Dizisi için her ay farklı bir sanatçının eseri üzerine yeni bir yazı hazırlayıp paylaşırken, SAHA Studio sanatçıları için okuma ve tartışma seansları programlıyor. Ocak ayından beri SAHA'nın desteğiyle SAHA Studio bünyesinde araştırmalarını yürüten sanatçılar Yasemin Nur, Onur Gökmen, Ege Kanar, Bengü Karaduman ve Merve Ünsal'ın çalışmaları 29 Eylül 2 Ekim tarihleri arasında her gün 13.00 19.00 saatlerinde gezilebilir.


Bodrum'daki ilk resort oteli Caresse, Bodrum sanat turizmine öncülük etmek ve yön vermek amacıyla Caresse Art projesini duyurdu. Caresse Art, metropollerdeki sanat eserlerinin sergilendiği müzelerden ilhamla, otelin mimari tasarımını sanat ile taçlandırılıyor. Bodrum ve Bitez koyu arasında bulunan Asarlık Mevkii'nin en sakin ve gizli noktasında konumlanan uluslararası otel zinciri Marriott International'ın, The Luxury Collection bünyesinde yer alan Bodrum'daki ilk resort oteli Caresse, a Luxury Collection Resort & Spa, Bodrum sanat turizmine öncülük etmek ve yön vermek amacıyla Caresse Art projesini Haziran ayı itibariyle hayata geçiriyor. Caresse Art, kendini ulusal ve uluslararası Türk sanatçılarla Caresse Bodrum'un mimari dokusunun birleştirildiği vizyoner bir proje olarak adlandırılıyor. Sanatsal iş birlikleri süreçlerini tamamlayan Caresse Art projesinin sanat yönetimini üstlenen Elçin Sümer, ilk çalışma olarak nitelendirilen '' Artistik Integrity'' isimli sergisini sanatseverlerle oluşturuyor. Caresse Art; Server Demirtaş, Hanefi Yeter, Ayla Turan, Ara Güler, Kemal Tufan, İbrahim Örs, Cihat Aral ve Mert Ege Köse gibi isimlerin de yer aldığı 100 sanatçının, toplamda 400 ve üzeri eserinin sergileneceği ve sezon boyunca birçok sanatsal etkinliğe yer verilecek bir art fair olarak kurgulandı. Caresse Art, metropollerdeki sanat eserlerinin sergilendiği müzelerden ilhamla, otelin mimari tasarımını sanat ile taçlandırılıyor. Caresse Art oluşumu ''Artistik Integrity'' ile birlikte sanat fuarı edasıyla Bodrum'da yaza damgasını vurmaya hazırlanırken aynı zamanda sanatın iletişimi arttıran unsurlarından yola çıkılarak sanatçı performanslarının, vizyoner turların ve söyleşilerin gerçekleşeceği proje olarak sanatseverlerle buluşuyor. Caresse Art Küratörü Elçin Sümer bu projenin sanatsal yaklaşımını kurgularkenki hedefini, "Bu projeyle birlikte sanat eserleri mekanın önemini taçlandırırken, aynı zamanda yerel sanatçılara özgünce kendilerini anlatabilecekleri podyumlar oluşturduk. Caresse Bodrum, mimarisi ve üst segment hizmet anlayışı Caresse Art projesiyle beraber misafirlerinin duyularına dokunmaya hazırlanıyor diyebiliriz" diyerek açıkladı.


Uluslararası Marriott International'ın The Luxury Collection bünyesinde yer alan Caresse a Luxury Collection Resort & Spa Bodrum, Temmuz ayında Caresse Art projesini hayata geçirdi. Asarlık Mevkii'nin en sakin ve gizli noktasında konumlanan Caresse Art, kendini ulusal ve uluslararası nitelikli Türk sanatçılarla Caresse Bodrum'un mimari dokusundan esinlenerek sanatla bütünleşen vizyoner bir proje olarak adlandırıyor. Sanatçılarla gerçekleştirilen iş birlikleri süreçlerini tamamlayan Caresse Art projesinin sanat yönetimini ve kürasyonunu üstlenen Elçin Sümer, projeyi ilk olarak Artistic Integrity sergisiyle lanse etti. Caresse Art'ın doğuşunun ilk temsilcisi olan Artistic Integrity bir sanat fuarı niteliği taşıyor. Öte yandan Caresse Art, 150'den fazla birçok tanınmış sanatçının yer aldığı, toplamda 500 ve üzeri eserin sergilendiği ve sezon boyunca birçok sanatsal etkinliğe yer verilecek bir art fair olarak kurgulanıyor. 6 ay boyunca sürecek olan bu izlence kalıcı ve değişen eserlerle birlikte aylar içerisinde yeni sergilerle gelişen bir sanat şöleni sunuyor. Metropollerdeki sanat eserlerinin sergilendiği müzelerden esinlenerek hayata geçirilen Caresse Art projesiyle sanatçılar, Caresse Bodrum'un mimarisi, doğası ve misafirlerine sunduğu ayrıcalıklardan ilham alarak kendi tarzlarına uygun sanat eserleri tasarladılar. Caresse Art'ı ziyaret eden sanatseverlere, mobil cihazları ile 42.000 m2'lik alanın her yerine yayılmış eserleri müze örgüsünde özel seslendirme ve maping deneyimiyle keşfetme imkanı sunuluyor. Caresse Art küratörü Elçin Sümer, bu projenin sanatsal yaklaşımını kurgularken ki hedefini: ''İnsanların yaşam alanlarında doğa ve mimarinin güçlü etkisini göz önünde bulundurarak, sanatın iyileştirici ve duyusal tamamlayıcı etkisi ile taçlandırmak oldu. Bu fikirden yola çıkarak multidisipliner sanat anlayışıyla bir podyum yaratma duygusu ön plana çıktı. Bu projeyle birlikte sanat eserleri mekanın önemini taçlandırırken, aynı zamanda yerel sanatçılara özgünce kendilerini anlatabilecekleri podyumlar oluşturduk. Amacımız, 2023 yaz sezonunda 6 ay boyunca devam edecek bir sanat turizmi oluşturarak sanatı, sanatçıyı ve sanatseverleri bir araya getirmek açıklıyor.


goodspaces, bu yıl ilkini gerçekleştireceği ART & TECH for GOOD SUMMIT 2022 ile sanat, teknoloji ve sürdürülebilirlik alanındaki dönüşümü 13 - 15 Mayıs tarihleri arasında Türkiye ve dünyadan konusunda uzman konuşmacılar eşliğinde tek bir zirvede sunmaya hazırlanıyor. 42 Maslak'ta yer alan ve şehrin sanat, teknoloji, iyilik merkezi olan goodspaces, bu yıl ilkini gerçekleştireceği ART & TECH for GOOD SUMMIT 2022 ile dönüşüm yolculuğundaki merak edilenleri tek bir zirvede sunuyor. Türkiye'den ve dünyadan konusunda uzman konuşmacılar eşliğinde gerçekleşecek panellere ev sahipliği yapacak olan zirve, üç gün boyunca birbirinden farklı etkinliklere ev sahipliği yapmaya hazırlanıyor. 13 Mayıs Cuma akşamı dijital sanatı ve müziği bir araya getirecek, BeeGee ve Hakan Yılmaz'ın performans sergileyeceği sıra dışı 'Digital Art Party' ile açılışı gerçekleşecek zirvede 14 Mayıs Cumartesi günü, sürdürülebilirlik, sanat, girişimcilik, teknoloji ekosisteminin günümüzdeki buluşma noktası olan Metaverse, NFT ve Web 3.0, Türkiye'den ve dünyadan konusunda uzman konuşmacıların özgün içerikleriyle karşımıza çıkacak. Kültür & sanat, medya, yaratıcılık sektörlerinin önde gelen isimleri, goodspaces sergi ve etkileşim alanı ve ESA Espor Arena'da gerçekleşecek panellerde farklı konu başlıklarıyla yeni dünyadaki dönüşümün altını çizecek. Moderatörlüğünü Levent Erden'in yaptığı, keynote speaker'ı David McWilliams olan panelde; Refik Anadol, Haluk Levent, birçok sanatçı, iş insanı ve sivil toplum kuruluşu lideri yer alacak. ART & TECH for GOOD SUMMIT 2022'nin son gününde, 15 Mayıs'ta ise bilim, teknoloji, eğitim, çevre, kültür, sanat faaliyetleri sürdüren sivil toplum örgütlerinin katılımıyla toplumsal farkındalık yaratacak etkileyici ve ücretsiz bir panel gerçekleşecek. Kadın Girişimcileri Derneği , Dünya Doğayı Koruma Vakfı, Habitat, Yuvam Dünya, Ahbap, TÜRKONFED sözcüleri bu anlamlı panelde konuşmacı olarak yer alacak. Bu özel günde sürdürülebilirliği odağına alan birçok marka da stantlarda ziyaretçilerle buluşacak. Değişen dünya hakkında geniş toplumu bilgilendirmek adına gerçekleşen zirve süresince goodspaces iki farklı sergiyle de görsel bir şov sunmaya hazırlanıyor. Zeynep Arınç küratörlüğünde goodspaces Exbition Hall'de gerçekleşecek dijital sanat sergisi; Can Büyükberber, Hakan Yılmaz, Emre Yusufi, Ecem Dilan Köse ve birçok sanatçının eserlerini sanatseverlerle buluşturacak. Artopol Art Gallery'de ise Türkiye'nin ilk NFT Marketplace'ı Babylons.io sanatçılarının NFT'lerinin sergileneceği multidisipliner bir sergi izleyicilerle buluşacak. Ayrıca 42 Maslak içerisinde yer alan Nezih Kitabevi'nde sanat, teknoloji ve sürdürülebilirlik dönüşümünü odağına alan yazarlar okurlarla buluşurken Atölye Mayacan'da gerçekleşecek dijital sanat workshop'ları ile çocuklar kendi avatarlarını oluşturma şansına sahip olacak.. 13 ile 15 Mayıs tarihler arasında gerçekleşecek ART & TECH for GOOD SUMMIT 2022 biletlerine biletix.com'dan ulaşılabilecek. Detaylı program için ise goodpsaces'in web sitesine göz atabilirsiniz.


Contemporary İstanbul, heykeltıraş Hande Şekerciler ve dijital sanatçı Arda Yalkın'ın sanatçı ikilisi ha:ar olarak ortaya koydukları çalışmalara ev sahipliği yapmaya hazırlanıyor. İkilinin Pulse: Electric Mannerism başlığı altında sergilenen üretimleri Ankara ile başladığı yolculuğuna Venedik ve Milano ile devam etmişti. Serginin yeni durağı ise İstanbul olacak. İkilinin çalışmaları, Londra'nın önemli galerilerinden JD Malat Gallery iş birliğiyle 5-10 Ekim tarihleri arasında Contemporary İstanbul'da sanatseverlerle buluşacak. Ayrıca J.D Mallat Gallery tarafından temsil edilen heykeltıraş ve yeni medya sanatçısı Hande Şekerciler de Ecstasy adlı heykel serisinden eserlerle bu yıl ilk kez Tersane İstanbul'da gerçekleşecek olan Contemporary İstanbul'da yer alacak. ha:ar'ın çalışmaları, Rönesans ve Barok dönemlerinin büyük ustalarını, geçmişi yeniden yorumlayan bir dizi kompozisyon ile fiziksel ve sanal bir ortamla ilişkilendirerek keşfediyor. Maniyerist bir etki öneren ha:ar'ın çalışmalarının her bir ögesi mistik pozlarda tasvir edilirken, Barok resmini anımsatan bulutlarla çevrili dramatik bir bedensel gerilim ile karakterize ediliyor. Sanatçıların benimsediği teknoloji, izleyicinin önünde durmak ya da estetik deneyimin odak noktası olmak niyetinde değil; daha ziyade, yeni anlamların keşfedilmesine yardımcı oluyor. İnsanlığın yarattığı medeniyetle, ürettiği teknolojiyle ve varoluş biçimiyle çatışma konularına odaklanan sanatçı ikilisinin sergisinde İmkansız Heykeller serisinden işleri yer alıyor. Serinin yeni parçası olan video çalışma da fuar kapsamında ilk kez izleyicilerle buluşmayı bekliyor. ha:ar'ın üretimleriyle diyalog kuran Hande Şekerciler'in heykelleri, dijital ve somut gerçekliklerin yansımalarını araştırıyor. Sanatçı, Rönesans yankısına dalmış görünen bir insan figüründen yola çıkarak, öznelerin kimliğini altüst ederek, onları saç ve giysi gibi karakterize edici unsurlardan arındırıp özgürleştiriyor. Böylece izleyici bedenleri anonim olarak, herhangi bir sosyal yapının ötesinde görme fırsatı yakalıyor. Toplumsal meselelere heykel perspektifinden yaklaşan Hande Şekerciler'in figürleri Helenistik ve Rönesans sanat eserlerinden ilham alıyor. Kıyafet, saç, cinsiyet gibi detaylardan arındırılmış bronz heykeller, çelişkili ve farklı ruh hallerini yansıtıyor. Sanatçının farklılığı sıradanlaştıran yaklaşımı, kimliksiz figürler üzerinden ütopik bir dünyanın kapılarını aralıyor. Fiziksel detayların ve varlığın ötesine geçerek yaşanan an, duygu ve ruha şahitlik etmeyi öneriyor.